A Pedreira

Primeiras excitações de 2011

2011-02-13T15:15:00.003Z

PJ Harvey, Let England Shake
Vem aí um texto opinativo, prepara-se mais uma vez a caçadeira dos rótulos. Mas desta vez a missão é difícil: é um artigo sobre PJ Harvey. Pior (melhor), "Let England Shake" dá-nos - num temporal que muda a morfologia toda que lhe conhecíamos - uma metamorfose mais radical do que é normal na grande camaleoa do indie (ou seja lá o que isso for).

O alvo dos rótulos fica desfocado. E anda outra vez às voltas, tal como PJ Harvey. Mas o alvo está perdido, PJ Harvey não. Aquilo que pensamos que a cantora de Dorset é, afinal já é outra coisa. Quando pensamos que já está num síto, afinal já está noutro bem diferente. Aquela pós-grunger de ar descuidado (ver "Dry" e "Rid of Me") pode ser tomada por uma senhora glamourosa (ver "To Bring You My Love") que sabe maquilhar-se melhor que muitas estrelas de cabaret. A criatura misteriosa que nos debita personagens femininos (ver "Is This Desire") é também uma mulher deslumbrada e optimista que adora o seu Eu (ver "Stories from the City, Stories from the Sea"). E quando nos familiarizamos com uma PJ Harvey rebelde pós-punk a berrar aos saltos 'Who the Fuck?' (ver "Uh Huh Her"), surpreendemo-nos por ver no mesmo corpo uma pianista baladeira folk mais moderada (ver "White Chalk").

Que PJ Harvey temos diante de nós em 2011, ao oitavo álbum "Let England Shake"? Também não sabemos bem. À superfície é um PJ Harvey subitamente politizada, a olhar para a sua Inglaterra de trás para a frente a partir da sua casinha de Dorset, mas ainda assim arriscamo-nos a escrever algum disparate. A abstração temporal dos temas das canções é total - do cheiro a trincheiras da I Guerra Mundial aos capitães de outro qualquer século, a temas actuais. Mas é provável que cante a despedida da Inglaterra tal como a conhecemos.

PJ Harvey muda de visual e de som, mas não se afasta do seu conselho de fiés colaboradores, desta vez composto pelos multi-instrumentistas John Parish e Mick Harvey, e pelo produtor Flood, e com o auxílio do menos habitual baterista Jean-Marc Butty. Há um inovador contraponto com a voz masculina - num diálogo com Polly Jean que é uma junção de forças. E samples étnicos e tribais de pedacinhos do mundo à volta da imperial britânica PJ Harvey

Munida de uma autoharpa e de um canto mais antológico, PJ Harvey está num deslumbrante estado de omnipotência vocal, tão folk quanto erudita, enquanto nos vai dando dicas do imaginário de uma Inglaterra rural e victoriana. Podiamos vaticinar-lhe, por isso, uma aproximação estética às puríssimas manas Shirley and Dolly Collins, mas PJ Harvey não é nenhuma Jane Austen do rock. A sua folk fugidia está já demasiado individualizada, e tem o acréscimo de uma bagagem rock (que as Collins nunca tiveram) que faz parte do seu sangue, incluindo neste disco.

Podiamos ainda atrevermo-nos em denunciar uns toques de Cocteau Twins em interpretações mais etéreas como no arrasador 'The Glorious Land' ou em 'Written on the Forehead', mas nem assim acertamos. A dimensão de PJ Harvey não cabe num expositor da mítica 4AD.

O seu rock com cheiro a scones, chá e maresia da costa sul britânica foi palmilhando caminho, possivelmente desde "Is This Desire" (ou talvez mesmo desde "To Bring You My Love"). Até que chegamos a este desarmante disco, que nos mostra uma PJ Harvey virada do avesso, com uma folk virgem, impossível de ser encaixada em qualquer outro modelo que conheçamos.

Este toca e foge é um jeito dylanesco – o homem das canções fok de protesto que era afinal um rocker pró-Beatles que era afinal um countryman anti-festivais que era afinal o quê? Se os guias afunilam todos nas mesmas considerações, cristalizados nalgumas das primeiras imagens que os artistas deles deram (sempre o Blonde on Blonde como obra máxima de Bob Dylan, sempre o Rid of Me como obra máxima de PJ Harvey), a realidade, tal como estes artistas, é mais variável, e ditou que o disco mais majestoso de Dylan fosse feito com 56 anos de idade (Time Out of Mind), ou que o melhor álbum de Polly Jean tivesse sido feito ao fim de 20 anos de carreira (Let England Shake), mesmo que isso já escape às sinopses das suas vidas.

E enquanto a Europa e Inglaterra se desmoronam, PJ Harvey fugiu-nos outra vez, mas já encontrou um rumo. Ninguém a apanha.

Artigo muito semelhante ao publicado no site Cotonete.

Primeiras excitações de 2011

2011-01-30T09:58:00.004Z

Anna Calvi, Anna Calvi
Não vale a pena armarmo-nos em grandes futurólogos. Apostar em Anna Calvi como promessa de 2011 é como fazer uma tripla no totobola. O seu talento de cantautora rocker é demasiado óbvio, e está muito bem armazenado neste fortíssimo álbum de estreia - "Anna Calvi".

Esta guitarrista inglesa arruivada, de 28 anos de idade e de sangue italiano, arranja-se como se fosse para uma festa de gala ou para um cabaret (este último, um dado denunciador): cabelo puxado, olhos densamente pintados, camisa vermelha de seda.

Só há cinco anos decidiu ser cantora. Seguiram-se seis horas diárias de ensaios de canto.

Neste seu trajecto de combate ao anonimato, 2010 correu-lhe de feição. Brian Eno aclamou-a como «a melhor coisa desde Patti Smith». Nick Cave levou-a para a estrada, para fazer as primeiras partes dos Grinderman - «vais ser enorme», segredou-lhe. Mas o melhor de tudo foi mesmo a gravação em França e Inglaterra deste fervilhante disco, co-produzido por Rob Ellis (multi-instrumentista que tem trabalhado com PJ Harvey).

"Anna Calvi" é uma manta dourada de 10 temas vulcânicos que distinguem a sua autora pela sua capacidade dramática muito acima da média. O disco tem a fúria colérica da PJ Harvey dos primeiros tempos, uma garra selvagem na guitarra que Legendary Tigerman não desdenharia, um cheiro aperfumado de cabaret, uns rebuscamentos fantasmagóricos de um tempo que não vivemos nas primeiras décadas do século passado e, acma de tudo, um toque de cantora lírica raro no mundo do pop-rock. Tal como Florence and the Machine, Anna Calvi transforma o exagero numa qualidade.

Posto de outra forma, imaginem os Goldfrapp que foram gravar "Feltmountain" (na sua fase mais rupestre) como uma banda pós-punk e sem recursos electrónicos, e talvez nos aproximamos do imaginário em que respira o power trio comandado por Anna Calvi.

O resto, que é quase tudo, será a forte personalidade de Anna Calvi a moldar. Para já, tem um clássico do rock logo à primeira tentativa: "Anna Calvi". (Domino, 2011)
Artigo muito semelhante ao assinado para o Cotonete.

Melhores Concertos 2010

2011-01-29T08:15:00.002Z

Dos que vi...
1º Chris Isaak no Cascais CoolJazzFest

2º Camané no Centro Cultural de Belém
3º Faith No More no Optimus Alive!
4º The xx na Aula Magna
5º Mão Morta no Coliseu dos Recreios

6º Walkmen no Coliseu dos Recreios
7º Black Rebel Motorcycle Club na Aula Magna
8º Wovenhand no Santiago Alquimista
9º MGMT no Campo Pequeno
10º Sérgio Godinho na Culturgest

Melhores Álbuns Nacionais 2010

2011-01-28T12:06:00.005Z

1º Pop dell’ Arte – Contra Mundum

2º Camané – Do Amor e dos Dias
3º Mão Morta – Pesadelos em Peluche
4º Mazgani – Song of Distance
5º Guta Naki - Guta Naki

6º Maria de Medeiros – Penínsulas & Continentes
7º Tiago Guillul – V
8º Nu Soul Family – Never Too Late to Dance
9º B Fachada – Há Festa na Mouradia
10º Terrakota - World Massala

Melhores Álbuns Internacionais 2010

2011-01-25T15:15:00.006Z

1º Midlake – The Courage of Others

2º Sufjan Stevens – Age of Adz
3º Gil Scott-Heron – I’m New Here
4º Laura Veirs – July Flame
5º Arcade Fire – The Suburbs

6º Afrocubism – Afrocubism
7º MGMT - Congratulations
8º John Grant – Queen of Denmark
9º Trembling Bells – Abandoned Love
10º Vampire Weekend - Contra

11º Ice Cube – I Am the West
12º Erland and the Carnival - Erland and the Carnival
13º Neil Young – Le Noise
14º !!! – Strange Weather, Isn’t It?
15º Elvis Costello – National Ransom

16º Janelle Monáe – The ArchAndroid
17º Joanna Newsom – Have One on Me
18º Black Rebel Motorcycle Club – Beat the Devil’s Tatoo
19º Sharon Jones & The Dap Kings – I Learned the Hard Way
20º Warpaint – The Fool

21º Christina Aguilera -Bionic
22º Women – Public Strain
23º The National – High Violet
24º Willie Nelson – Country Music
25º Emily Jane White – Victorian America

26º Manic Street Preachers – Postcards from a Young Man
27º Deer Tick – The Black Dirt Sessions
28º Yeasayer - Odd Blood
29º Jenny and Johnny – I’m Having Fun Now
30º Rumer – Seasons of My Soul

ARCADE FIRE, «THE SUBURBS»

2010-08-02T13:22:00.005+01:00

Os Arcade Fire chegaram depressa ao topo da pirâmide indie (e talvez mesmo do rock geral) com dois álbuns consideravelmente diferentes. Comparar "Funeral" (a estreia de arromba) com "Neon Bible" (o difícil segundo álbum) é o mesmo que sentir a diferença entre um passeio pela Serra do Gerês e uma travessia do Alentejo. "Funeral" é deslumbrantemente alpino e fragmentado, dando-nos os mais variados cenários a cada curva e contracurva; "Neon Bible" é mais plano, com cada música a reproduzir a mesma paisagem do início ao fim - excepção a 'Black Wave/Bad Vibrations', o 'A Day in the Life' dos Arcade Fire, que sofre a meio um corte abrupto do tamanho de um eclipse solar total.

Sem que, aparentemente, o novo álbum "The Suburbs" tenha a mesma mina de oiro de "Funeral" ou, até, de "Neon Bible", os Arcade Fire dão a volta de outra maneira, apostando numa maior magnitude, tornando-se ainda mais hercúleos do que já eram. O ideal épico do grupo encontra plataforma num álbum mais duradoiro (16 faixas), mais difícil; e, contrariando os ditados populares, a quantidade leva-os a uma maior qualidade.

À superficície do enorme recheio de "The Suburbs" está uma energia adolescente ainda imaculada que dá a sensação de que os vários anos de sucesso e de vida mais adulta ainda não amoleceram os Arcade Fire - como 'Ready to Start', 'Modern Man', 'Empty Room' ou 'Month of May' ilustram. E há a ilusão deste ser um álbum mais eletropop que os demais, graças a maravilhas como 'Ready to Start' ou a penúltima faixa 'Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)' que aproxima Régine Chassagne cada vez mais a Jill Birt, a menina dos teclados dos Triffids que também fazia vozes.

Mas por trás da superfície e da ilusão, "The Suburbs" é, na substância, um álbum de baladas, talvez o grande álbum de baladas dos Arcade Fire. O tom do disco é mais contemplativo e cinematográfico, com o fantasma intermitente de Bruce Springsteen à flor da pele. Com maior ou menor dramatismo barroco, 'Rococo', 'Half Light I', 'Wasted Hours' ou 'Deep Blue' (podemos citar mais) são músicas ternurentas que fazem a diferença: em qualquer contexto, em qualquer discografia.

Outro dado agradável reside na orgânica do grupo, onde a liderança de Win Butler, sempre muito espiritual, dá espaço em três ou quatro músicas para a sua companheira Régine Chassagne fazer sobressair as suas tropelias. Claro que "The Suburbs" tira partido destes momentos de feminilidade, invertendo-se aquela lógica sufocante de comandos tirânicos que condenam bandas de eleição (como os Pixies ou os Smashing Pumpkins) a prazos curtos de vida.

«Uma mistura entre Depeche Mode e Neil Young», é assim que os autores definem o novo álbum. De corpo sonoro pop-rockeiro, a alma do grupo parece procurar em fundo outra coisa, algo mais folk e, quem sabe, mais country... Os Arcade Fire acabam de dar um grande passo adiante e já vêem o futuro à frente. (Merge, 2010)

Artigo publicado no Cotonete que pode ler aqui.

Reportagem em Benicàssim: post-scriptum

2010-07-22T15:54:00.004+01:00

O Festival Internacional de Benicàssim (FIB) é internacionalíssimo: grande parte da massa festivaleira é britânica. Junta-se o conceito veraneante de praias e piscinas à paixão pela música e à disposição festivaleira, e isso também explica a adesão numerosa de forasteiros.

Apesar da presença de um total de 150 mil festivaleiros nos quatro dias, o conforto é jamais posto em causa. É a tranquilidade da estância balnear que se projecta no conceito do festival e não o contrário. A avalancha de pessoas dissipa-se no calcorreamento pela cidade de Benicássim: não há restaurantes, nem praias sobrelotadas; não há engarrafamentos, nem ruas atafulhadas de carros. E no entanto o recinto está colado à maneirinha terra, fazendo do conceito veraneante do FIB uma realidade: das praias ao recinto do mega-evento são necessários pouco mais que 10 minutos a pé; e, a meio do trajecto, há as numerosas piscinas de hóteis, cujos relvados limítrofes estão povoados por festivaleiros de pulseirinhas a dormirem as sestas ou a beberem refrescos depois dos agradáveis banhos.

Por isso, não surpreende que o festivaleiro do FIB ande de calções de banho e tronco nu ou de biquini, mesmo a altas horas da madrugada - estiveram temperaturas quentes e noites tropicais durante os quatro dias do festival. A informalidade prolonga-se à menor austeridade numa série de pormenores: pessoas concentradas num monte fora do recinto que dava visibilidade para o palco principal sem que as autoridades interviessem; fácil acesso dos jornalistas ao backstage dos artistas; umas quantas espreguiçadeiras e até uma piscina na zona VIP.

O cenário que rodeava o recinto era deslumbrante, ao lado de montanhas lindísssimas (semelhantes às que se vêem na Califórnia); e com o mar muito azul do outro lado do horizonte. E o próprio piso era simpático para quem andava de havaianas ou com outro tipo de sandálias: várias zonas de terra de areia escura e de pedrinhas; largas porções de relvado; algum trajectos em alcatrão; nada de pó.

O ambiente de Benicàssim é mais festivo do que estamos habituados. Há uma exuberância maior dos festivaleiros (e até algum exibicionismo.. vários homens nus a erguerem-se no meio da multidão e, pelo que vimos, uma mulher de peito desnudado à frente de um dos palcos). A atitude chega a ser carnavalesca, com muitas pessoas literalmente mascaradas: toureiros, super-heróis, dois amigos com o equipamento completo da selecção espanhola (da camisola vermelha às botas) e muita gente pintada ou maquilhada. No entanto, há também um excesso de consumo de álcool e de drogas (mais que em Portugal), muitas gente KO prematuramente (muito mais que em Portugal) e, nos casos mais extremos, consumo à descarada de cocaína.

A nível de comércio dentro do recinto, é possível encontrar as barraquinhas de comes e bebes tradicionais que desapareceram há anos dos recintos dos nossos maiores festivais: as mais espanholas vendiam espetadas, paelhas ou bebidas de cidra locais; uma argentina tinha a boa carne do país; outra banca era mais especializada em bebidas latino-americanas como os cubanos mujitos; mas havia mais.

O FIB aconteceu no fim-de-semana seguinte ao da consagração da selecção espanhola como campeã mundial. E por essa razão, não faltou quem desse os parabéns, como os americanos Julian Casablancas e os Vampire Weekend, e os britânicos Mumford & Sons, Ian McCulloch (dos Echo & The Bunnymen) e Damon Albarn (dos Gorillaz).

Para o ano, há mais. É o que devem desejar todos os festivaleiros do FIB. Percebemos porquê.

Fotos: Joana Baptista
Artigo publicado no site Cotonete.

Reportagem em Benicàssim: quarto e último dia

2010-07-22T15:26:00.004+01:00

O Festival Internacional de Benicàssim (FIB) - que tão bem faz do banhista um melómano e vice-versa - encerrou ontem com o espectáculo poderoso dos Gorillaz, sob a aura da megalomania de um concerto que podia ser de estádio. Muita coisa mudou no conceito ao vivo do projecto de Damon Albarn desde a única passagem dos Gorillaz por Portugal (em 2002). Os músicos já não se escondem por trás de um enorme pano gigante transformado em ecrã; expõem-se hoje tanto como qualquer outra banda; e a banda desenhada de 3D, Murdoc e companhia já não é o exclusivo dos clips do ecrã gigante agora alojado alguns metros acima dos instrumentistas.

Damon Albarn (na foto) está bem mais humilde que aquele Damon Albarn ao serviço dos Blur da fase áurea do brit-pop. É ele o simpático (!) comandante deste filme musical tão caro, saltando várias vezes dos teclados para a zona da frente do palco, pulando, rappando, cantando e espalhando água para cima da multidão. Ainda por cima, pode, através dos Gorillaz, comprar a história: tem na sua banda ao vivo os ex-membros dos Clash, Mick Jones (na guitarra) e Paul Simonon (no baixo); e conta com os préstimos vocais da lenda de soul/blues Bobby Womack. Torna-se também num mecenas que aposta em talentos mais desconhecidos como a cantora nipo-sueca Yukimi Nagano (dos Little Dragon).

O espectáculo dos Gorillaz no FIB é um carrossel multicultural. Tanto pode projectar imagens da dança de ventre arábica, caracteres japoneses ou o clip oficial de Stylo que tem Bruce Willis como protagonista de uma perseguição de carros com os companheiros de Murdoc. Tanto passa por duelos entre rappers (com Damon Albarn sempre com uma palavra a dizer), como pela balada mais ambiental à Brian Eno (On a Melancholy Hill) ou mais bluesy (Cloud of Unknowing)... Sempre com a palavra festa na mira. Este foi o maior e um dos melhores concertos do festival.

O antecessor dos Gorillaz no palco principal (Escenario Verde) foi Dizzee Rascal, que continua um rapper velocista (talvez mesmo um recordista do Guiness nesse campo). Com uma camisola e um chapéu (com pala para trás) dos Los Angeles Lakers, pode já não ter a autenticidade revolucionária de há cerca de cinco anos. Mas Rascal prova ser mais que o cromo nº1 do grime; pode também ser um ídolo de festival no palco maior. Noutro palco, os Echo & The Bunnymen iam galgando pelo seu historial de pós-punk poético - Seven Seas, The Killing Moon ou The Cutter foram tocadas. Nem mesmo o ar veraneante de Benicàssim convence Ian McCulloch a prescindir do seu ar invernoso, envergando um comprido casaco e exibindo aquele ar soturno de óculos escuros e cigarro na mão que é um bónus charmoso a uma colheita cancioneira que continua a ser memorável. Mas será que os Echo & The Bunnymen já deixaram de acreditar nas suas canções mais recentes?, é a pergunta que esta actuação levanta.

Algum tempo antes, no mesmo palco secundário (Escenario Fiberfib.com), os Foals impressionaram com um indie-rock que é uma metralhadora de acordes de guitarra múltiplos num curto espaço de tempo que, quando acalma, roça o ambiente de dream-pop dos Sigur Rós.

«Olá, sou a Ellie Goulding; temo não chamar-me Lily Allen». Foi assim que Ellie Goulding brincou com a promoção em cima da hora para substituir Allen (de baixa por motivos de doença) no palco principal. Não acusou a responsabilidade; também gosta de ter um bombo de bateria junto ao microfone para aumentar o dramatismo da perfomance. Mas parece uma intérprete de um folk-pop sucedâneo, algures entre Florence and the Machine e The Corrs.

Foto: Joana Baptista
Artigo publicado no Cotonete.

Reportagem em Benicàssim: terceiro dia

2010-07-22T15:15:00.004+01:00

O sábado esteve entregue às grandes lendas britânicas do passado, mesmo que oriundas de períodos diferentes: The Specials, PIL, Ian Brown (na foto), Prodigy. E lendas do passado é o que se poderia também chamar aos Ash que foram o primeiro nome forte do dia. Com uma actuação enérgica (dir-se-ia esforçada), agraciada por hinos dos anos 90 como Oh Yeah e Girl from Mars que fizeram deles uma alternativa mais rockeira ao britpop, os Ash parecem numa luta perdida contra o tempo. A crise de crescimento e a inexistência de qualquer mudança pouco lhes dá mais ao fim destes anos todos que a irrelevância de uma actuação vespertina que passou despercebida. Com o tempo de hoje a seu favor estão os Cribs que logo a seguir, num dos palcos secundários, aproveitaram a onda de entusiasmo em relação ao seu último álbum Ignore the Ignorant para agitar a maré de gente com o seu rock pós-punk assente nalgum classicismo - e, recorde-se, com o guitarrista ex-Smiths Johnny Marr na formação.

Quem não esteve à altura da adesão popular foram os Specials que, contrariando a disposição festiva e dançante da multidão, nos deram uma actuação morna mesmo que pontuada por temas populares como Monkey Man e A Message to You Rudy. A disposição desinteressada do principal vocalista destes dinossauros do ska, Terry Hall, retira consistência a um concerto que se queria de espírito anímico. A inexistência de encore (e havia condições para tal), e do pedido Ghost Town, é o final desajeitado de um concerto que devia ter sido melhor. O verdadeiro Monkey Man foi mesmo Ian Brown que se mantém fiel aos seus gestos símios e ao fotogénico levantamento no ar da sua pandeireta numa bonita imagem de auto-glorificação. Como acontecia nos Stone Roses, o hino I Wanna Be Adored abriu o concerto (tocado em câmara lenta, tal como aconteceu na actuação desastrosa da extinta banda em Vilar de Mouros). Depois bastou picar nos mais electrónicos temas a solo para provar que, das lendas da noite de ontem, o pouco saudosista Ian Brown é quem está em melhor forma no novo milénio.

«Ali está a feira dos tolos», aponta John Lydon para o que se está a passar no concerto dos Prodigy. Três músicas mais tarde, novo missil para as estrelas do palco principal: «há um estranho ambiente no ar, deve ser aquela porcaria ali ao fundo. Os falsos lá vão aparecendo e imitando». O pouco ortodoxo vocalista dos Public Image Ltd (e dos Sex Pistols) continua com a língua solta. Esse mau feitio continua a ser o nervo que faz dele uma autêntica fera enquanto performer, movimentando-se freneticamente na zona do microfone, e incendiando uma actuação que, mesmo que nostálgica, ilustra o poderio mono-rítmico pós-punk e obstinado dos PIL (na mesma linha de uns Wire). Os Prodigy lá iam dando a razão a John Lydon, com o seu circo de techno-punk que cristalizou há mais de 10 anos nos mesmos movimentos, nas mesmas provocações e nos mesmos temas. A verdade é que a maior moldura humana do festival foi mesmo para o colectivo do excêntrico dançarino das cristas Keith Flint.

Já com a madrugada adiantada, o electro-pop veraneante da canção Lights & Music assenta que nem uma luva no ambiente do festival e ajudou a projectar o concerto dos Cut Copy desde o início para a celebração, mesmo que ao vivo percam demasiado a perfeição de estúdio. E, noutro ponto, os mascarados Klaxons souberam encerrar muito bem o programa do palco principal com um synth-rock pouco dado a revisionismos estéticos.

Artigo publicado no site Cotonete.

Reportagem em Benicàssim: segundo dia

2010-07-22T14:53:00.006+01:00

O segundo dia do Festival Internacional de Benicàssim correu, e bem, ao sabor do electro-pop. E nesse campo houve um grupo que se distinguiu: os Hot Chip. Ao contrário do que é apanágio dentro do nicho, o colectivo londrino nega qualquer compromisso desenvergonhado com os anos 80. Através de uma performance muito dançada, e com todos os seus membros a distribuirem-se numa placa giratória multi-instrumentista, os Hot Chip empunharam os seus temas mais célebres, num cruzamento neo-milenar improvável entre Kraftwerk e Gang of Four (embora a milhas de ambos, a milhas de tudo). Mostraram serviço notável, mesmo que com a concorrência de alguns exibicionistas nus que se erguiam acima do imenso mar de cabeças da assistência.

Antes, também pelo palco principal (Escenario Verde), esteve Julian Casablancas, com uma banda mais numerosa que os seus Strokes (o vocalista está a ser acompanhado por mais seis instrumentistas). Quem o vir no Meco, pode esperar dele uma actuação que vai incluir temas dos Strokes (ouviram-se ontem Reptilia ou Modern Age, entre outros) que não colidem com o formato synth-pop da colheita a solo do álbum Phrazes for the Young que está agora a apresentar. Com um visual de pequenas excentricidades (da madeixa de cabelo oxigenada à unha da mão pintada), Julian Casablancas gracejou com o facto de não falar nada de castelhano, mesmo tendo dois nomes espanhóis (J. Fernando Casablancas). Foi o vocalista nova-iorquino que deu origem à primeira grande mobilização de massas, ao início da noite.

Também em bom plano, e igualmente sob o signo do eletro-pop, estiveram os Goldfrapp num dos palcos secundários (o Escenario Fiberfib.com). A ventoinha do palco simulava um vento que não existia (a noite foi outra vez quente e dispensou camisolas de manga comprida) e levantava no ar o vestido curto e prateado de Alison Goldfrapp, e o ambiente era o de uma viagem aos anos 80 à bruta. Com um alinhamento em regime best of, sobretudo dos últimos tempos (lados-A como Believer, Alive ou Rocket foram escutados), o toque kitsch e abbesco da banda inglesa caiu bem no festival.

Mas o momento de glória do segundo dia coube aos Vampire Weekend (na foto), no Escenario Verde. A cada tema - Cape Cod Kwassa Kwassa, Cousins, A-Punk, Diplomat's Son, Oxford Comma, Horchata (refresco que abunda muito nesta região) ou Mansard Roof - os Vampire Weekend ligavam o turbo e punham a entusiasta multidão a dançar freneticamente. O mexido vocalista Ezra Koenig, que tinha a guitarra viciada nos acordes afro que lembram o Mali (excepção ao electrónico Giving Up the Gun), foi o porta-voz de uma banda que está a marcar uma época e que está a conseguir dar o salto para um estatuto de popularidade maior.

Notas elogiosas ainda para a actuação sob sol arrasador do cantautor irlandês Fionn Regan (e para as suas virtudes folk dylanescas), para a adesão dos muitos festivaleiros britânicos em torno dos ascendentes Mumford & Sons (que seguem a melhor tradição da folk inglesa) e para o DJ set de DJ Shadow já a madrugada ia avançada (que mereceu um ecrã em forma de esfera e o melhor do hip hop instrumental).

Artigo publicado no site Cotonete.

Reportagem em Benicàssim: primeiro dia

2010-07-22T14:34:00.005+01:00

O festival britânico mais a sul não é afinal na Ilha de Wight mas sim na Comunidade Valenciana, em Espanha. O FIB [Festival Internacional de Benicàssim] Heineken passa praticamente por um festival de britânicos: quer a nível de festivaleiros (claramente em maioria), quer a nível de cartaz (pensado para o gosto dos habitantes da ilha de Sua Majestade), quer agora na organização (que passou pela primeira vez para mãos inglesas).

O festival respira o ambiente veraneante de uma estância balnear como nenhum outro festival em Portugal. O recinto está localizado mesmo junto à povoação - do centro de Benicàssim até ao festival bastam 10 minutos a pé. Os festivaleiros ocupam as centenas de piscinas e as agradabilíssimas praias da zona. Mas nem assim o ambiente de serenidade e de conforto da pequena cidade é posto em causa pela moldura humana que enche o recinto uns metros mais acima, junto às deslumbrantes montanhas.

No primeiro dia do festival, o grande nome histórico era sem dúvida Ray Davies, o cérebro dos ingleses Kinks e um dos mais importantes compositores pop-rock dos anos 60. Os clássicos que foi tocando como o rebelde 'You Really Got Me' (que colocou os Kinks imediatamente na ribalta) e o popular 'Lola' mereceram a vénia histórica de uma multidão de compatriotas verdadeiramente transgeracional. A sonoridade da sua exímia banda enquadra Ray Davies muito próximo de Bob Dylan e de Van Morrison (o que não é surpresa) mas percebe-se também através deste concerto que os seus temas mais agrestes foram o prenúncio do punk mais de 10 anos antes.

Mas os mais festejados foram os Kasabian (na foto), que ocuparam o palco principal (Escenario Verde) depois do ex-Kinks. Sem necessitarem de recorrer a discursos inflamados à volta da selecção espanhola campeã mundial de futebol (apesar de publicamente aclamados pelo jogador decisivo Iniesta), os Kasabian injectaram alegria entre o povo com alguns dos seus maiores hinos [como 'Fire' e 'L.S.F. (Lost Souls Forever)'] e com o poderio do seu brit-rock que, quando investe em arranjos mais electrónicos, chega a lembrar a transcendência dos Death in Vegas.

Mas muitos outros actos impressionaram. Sobretudo os Dirty Projectors, que num dos palcos secundários, trouxeram de Brooklyn (Nova Iorque) os benefícios criativos de uma ingenuidade de quem parece estar a descobrir novos sons naquele preciso momento. As guitarras exploratórias do grupo, que vão do lado ensaístico dos Sonic Youth ao bicho carpinteiro dos Vampire Weekend, as danças da teclista Angel Deradoorian e a sincronização entre as três vozes femininas e a masculina num plataforma dessincronizada com a convenção são factores que causam sensação. Para os Dirty Projectors, a canção é um projecto sempre em aberto.

Os Broken Bells (do multi-instrumentista Danger Mouse, dos Gnarls Barkley) fecharam o palco principal com um concerto iniciado às três da madrugada (normal em Espanha), e mostraram o peso orelhudo de uma das melhores colecções de canções do ano, inscritas no seu álbum homónimo. Além do entusiasmo que provocaram entre a populaça (já menos numerosa), 'The Ghost Inside' e 'The High Road' são temas que podem fazer vender anúncios.

Artigo publicado no site Cotonete.

EXCITAÇÃO DA SEMANA: MGMT, «CONGRATULATIONS»

2010-04-12T13:44:00.006+01:00

Ao segundo álbum, "Congratulations", os MGMT resolveram complicar. E ainda bem.

Quando apareceram ao mundo com o longo de estreia "Oracular Spectacular", foram inseridos no viveiro criativo de Brooklyn, em Nova Iorque. Mas foi logo perceptível que os MGMT eram maiores que todos os seus vizinhos. O primeiro álbum é uma das mais mágicas colecções de canções dos últimos anos, com um electro-psicadelismo arrebatador mas também prático e instantâneo - e é aí que reside o génio que os distingue dos seus contemporâneos e conterrâneos.

'Kids', 'Time to Pretend' ou 'Electric Feel' são canções com as artimanhas fascinantes de uma sedução imediata a estranhos, mas também com o carácter e a profundidade que sustenta depois uma longa relação. É por isso que "Oracular Spectacular" é um álbum quase perfeito, tão imediato quanto mediato.

Agora, vem aí "Congratulations". Mantém-se aquela imagem freak, com uns trapos em cima, dos multi-instrumentistas Andrew VanWyngarden (o vocalista) e Ben Martin Goldwasser - as duas cabeças do projecto. Eles continuam uns hippies quase despidos com sintetizadores debaixo dos braços, unindo numa só foto e em meia-dúzia de músicas o naturalismo sessentista com o retrofuturismo.

Mas musicalmente, os MGMT mudaram. Pisam mais o risco, desviando-se dos ares gloriosos e mais óbvios à Rolling Stones da fase áurea (uma das matrizes de "Oracular Spectacular" presente nalgumas baladas mais acústicas), para uma bizarria mais vanguardista próxima do psicadelismo mais estrambólico dos Red Krayola. Apesar da sua tendência transgressora, os MGMT não abusam tanto da faceta lunática dos Flaming Lips, sabendo a dupla nova-iorquina descobrir no meio da desbunda aventureira o norte de refrões orelhudos à Beatles/The Animals e um contacto com a Terra de que, por vezes, a banda de Wayne Coyne se esquece.

Nos seus vários serpenteados, sente-se em "Congratulations" um espírito epicamente optimista, com coros ameninados dotados da mesma euforia de uns Polyphonic Spree ou de uns Arcade Fire, como bem ilustra o final grandioso do single principal, 'Flash Delirium' - um falso tosco que vai crescendo como todo o resto do álbum - ou da faixa seguinte, o poderoso 'I Found a Whistle'.

A juntar a tudo isto, e aos falsetes de Andrew VanWyngarden que picam o imaginário glam, os MGMT encontraram a sua Ilíada de Homero no espaço de uma canção: ela chama-se 'Siberian Breaks' e é uma trip electropsicadélica de 12 minutos feitas de pedaços de melodias diferentes e de viragens de 180 graus que lançam a luz ao ouvinte sobre a magnitude de "Congratulations".

O brilho do novo álbum pode não ser tão flagrante quanto o de "Oracular Spectacular". Mas os MGMT acabam de mostrar que, musicalmente, as mudanças colhem mais benefícios que vicissitudes.

Está concluída a 2ª inscrição dos MGMT no crème de la crème da pop-rock. (Sony/Columbia, 2010)

Texto publicado no Cotonete.

EXCITAÇÃO DA SEMANA: JOANNA NEWSOM, «HAVE ONE ON ME»

2010-03-13T23:26:00.005Z

Joanna Newsom é, provavelmente, a artista pop mais erudita dos nossos tempos e o mais imprevisível cromo indie da caderneta deste milénio. Apareceu por volta de 2004 no meio da rede freak-folk comandada por Devendra Banhart, mas cedo se destacou como a exótica daquele gangue. Ela era afinal a bela princesa que tinha como objecto predilecto a pouco pop harpa. Newsom parecia saída de um livro de contos ilustrado, nunca de uma cena de rock barbudo.

Vinda de um mundo intemporal, Joanna Newsom especializou-se numa folk naturalista, com voz aguda de sereia intocável e direito a exclusividade estética. Quando apareceu deslumbrante, com o álbum "The Milk-Eyed Mender" (2004), as suas canções ainda encontraram encaixe nos formatos médios da bizarria indie, numa altura em que as suas músicas só tinham ainda 4 minutos para respirar.

Depois, em "Ys" (2006), Joanna Newsom desfez-se do cronómetro para poder explorar com mais à-vontade toda a sua erudição em hérculeas músicas que chegavam a ultrapassar o quarto de hora. Mais uma missão cumprida.

Para "Have One on Me", Joanna Newsom, com uma disciplina de oriental, fez uma terapia para alterar a voz: durante dois meses não pôde falar, cantar ou chorar. Submeteu-se a uma espécie de Quaresma austera para músico.

Este álbum triplo é uma síntese entre a simplicidade do primeiro longo e a maior elaboração do segundo, como se Kate Bush tivesse tido formação clássica de conservatório e se tivesse interessado por música barroca. É mais ou menos esta a Joanna Newsom que temos no novo disco. Alguém que estica a terra americana até à britânica, apresentando a folk apalache à folk inglesa rural das irmãs Shirley and Dolly Collins. Só que com harpa e a sua voz plurigutural.

Esta belo ex-modelo da Armani, de apenas 28 anos, tem a determinação dos grandes. E está cada vez maior. (Drag City, 2010)

Pode ler aqui artigo desenvolvido no Cotonete.

EXCITAÇÃO DA SEMANA: MIDLAKE, «THE COURAGE OF OTHERS»

2010-02-01T14:17:00.005Z

Da matéria indie dos anos 1990, passando pela folk-rock dos anos 1960/70 até ao medievalismo folk, "The Courage of Others" é uma tabela cronológica com quase mil anos de extensão.

Os Midlake têm a meiguice indie-pop dos injustamente esquecidos Wheat (anos 1990) e o charme rupestre dos rockers Moody Blues (anos 1960/70), com aquele jeito para harmonizar flautas num mundo eléctrico rodeado por guitarras, ao mesmo tempo que se ouvem ecos de um passado que nenhum de nós viveu: uns acordes teclados mais barrocos, um refinamento de música antiga, ou a alma da folk antes desta ter nome.

Mas de "The Trials of Van Occupanther" (de 2006) para "The Courage of Others", há mudanças consideráveis. "The Trials of Van Occupanther" era um álbum de instrumentos teclados: muito piano, alguns sintetizadores e uma brisa exótica de anos 80 no meio daqueles ares freak. "The Courage of Others" é um álbum de instrumentos de cordas à vista desarmada: uma muralha maior de guitarras acústicas e eléctricas, e os Fairport Convention mais por perto (e restante vaga da folk-rock britânica do final dos anos 60).

As novas canções não se fazem valer tanto por si mesmas. São mais anónimas do que as de "The Trials of Van Occupanther", sacrificam mais o destaque individual em função da coerência de um todo composto por 11 canções. (Bella Union, 2010)

Pode ler aqui artigo desenvolvido no Cotonete.

EXCITAÇÃO DA SEMANA: BEACH HOUSE, «TEEN DREAM»

2010-01-25T22:14:00.003Z

Os Beach House conseguem repetir os mesmos truques da sua magia espiritual sem se repetirem. A guitarra de Alex Scally, que tem feitiço, elege um acorde por canção, e usa-o até à exaustão. E, seguindo a mesma economia de meios, a caixa de ritmos não sai da mesma programação ao longo de cada tema.

O som do teclado parece que está em fade out desde o início da canção, mas nós gostamos dessa despedida infinita, como se o som pudesse ter a eternidade fixa de uma fotografia. A bateria volta a ser o objecto menos manuseado do espaço. E a voz hermafrodita de Victoria Legrand mistura inocência com austeridade, e pede direito a ocasião religiosa. Pedido aceite, claro.

Qual é então a grande novidade de "Teen Dream" que não essa multiplicação luxuosa dos mesmos dons sempre com resultados entusiasmantes? Pois bem, os Beach House traíram o nome e afastaram-se da costa para uma floresta mais densa, onde se encontra o som lenhador dos freakadélicos Fleet Foxes. Não se sabe se houve algum transplante das cordas vocais de Robin Pecknold dos Fleet Foxes para a garganta de Victoria Legrand mas, pelo menos, as harmonias vocais tornaram-se espelhos um do outro, para proveito autoral dos Beach House.

A dezena de canções de "Teen Dream" impõe, de facto, respeito. 'Norway', 'Used To Be' e 'Take Care' ganham passe vitalício para entrarem na nossa frágil memória. Devagar se volta a ir longe. (Sub Pop, 2010)

Pode ler aqui artigo desenvolvido no Cotonete.

EXCITAÇÃO DA SEMANA: LAURA VEIRS, «JULY FLAME»

2010-01-19T13:52:00.003Z

A benção de Laura Veirs tem sido a sua belíssima voz. A raridade da virtude vocal não tem sempre que ver com a sua amplitude (de soprano, meio-soprano, contralto, o que seja). E a preciosidade da voz de Veirs é a sua doçura.

Na nova colheita, Laura Veirs não só mantém os seus grandes talentos, como os aprimora. "July Flame" recebeu as influências da mudança de Laura Veirs de Seattle para Portland. Há uma maior presença de elementos da natureza nas letras meigas e sensíveis de Laura Veirs. O próprio título é uma designação de um tipo de pêssego que embeveceu a cantora num ida ao mercado. E a dedicação de Laura Veirs à composição das canções de "July Flame" (de 80 canções novas, a artista elegeu 13 para o disco) implicou meses a fio de cortinas fechadas na sala da sua casa, o que mereceu a desconfiança da nova vizinhança, em Portland.

A meninice que resistiu no intelecto (muito) adulto de Veirs está integralmente na sua música. De forma esmagadora. E também neste seu sétimo álbum, "July Flame". O dedilhar da guitarra acústica e do banjo são leves, cada apontamento ao piano e nos sintetizadores é telegráfico, o violoncelo evita ser invasivo e os corinhos têm uma simplicidade minimal. É tudo muito puro e poético.

É difícil dizer que "July Flame" é o melhor disco da cantora norte-americana (talvez seja, mas há discos rivais a ter em conta como "Carbon Glacier", de 2004). Mas é fácil afirmar que este é um dos primeiros grandes álbuns de 2010. Irresistível. (Bella Union, 2010)

Pode ler artigo desenvolvido no Cotonete.

EXCITAÇÃO DA SEMANA: EELS, «END TIMES»

2010-01-11T22:35:00.002Z

A música tem sido uma luz ao fundo do túnel para E, líder dos Eels. O estado de alma de E é o próprio fundo do túnel.

Afectivamente, Mark Oliver Everett (o nome civil de E) tem habitado piso sísmico abalado por tremores de terra de grande magnitude e de demasiada regularidade. A estrutura de E guardou-se exclusivamente para as suas canções. E nesse campo Mark Oliver Everett é um felizardo. Musicalmente, E é membro de uma classe média abonada. Como uma criança que recebe os conjuntos de Playmobil mais caros, E é um prendado pelo seu dom de sobredotado para a melodia pop. Oliver Everett é da elite, e os Eels, por arrastamento, também.

O estado anímico deprimido reflecte-se na voz amarga de E, as letras sobre separações conjugais e envelhecimento são também uma angústia, mas as brilhantes melodias dos Eels, qual varinha mágica, tudo elevam e salvam para um filme duro mas também fascinante e rico em fantasia. É assim o novo e oitavo álbum do grupo, "End Times".

O disco que merece esta prosa foi gravado em quatro pistas e publicado apenas sete meses depois do anterior "Hombre Lobo", o que elucida bem sobre a alta produtividade de Mark Oliver Everett. O cantor mantém aquele ar de patinho feio de quem acha que o mundo lhe deve alguma coisa, mas, em retorno, despeja boas canções como quem diz bom dia.

De belas instrospecções com almofadadinha pop (como o arrepiante desabafo de 'I Need a Mother') a temas ao estilo oldie do rock & roll (como 'Paradise Blues'), os Eels sabem experimentar de tudo.

Quando os Eels apareceram em meados dos anos 90, eram uma injecção criativa de pop-rock indie, electronicamente engenhosa, que rivalizava com Beck em alta. Hoje, os Eels são uma banda mais orgânica e física que mantém o estilo simultaneamente açurado e soturno cuja propriedade foi comprada com o seu mérito autoral. (Vagrant, 2010)

Pode ler aqui artigo desenvolvido no Cotonete.

MELHORES CONCERTOS DE 2009

2010-01-02T23:04:00.002Z

Dos que pude ver...

1º Patrick Watson no Super Bock em Stock

2º Wild Beasts no Super Bock em Stock

3º Seun Kuti no CCB

4º OqueStrada no Delta Tejo

5º Hadouken! no Alive!

6º JP Simões no Jardim de Inverno do Teatro S. Luiz

7º The Invisible no Super Bock em Stock

8º Fischerspooner no Alive!

9º Sara Tavares no Delta Tejo

10º My Bloody Valentine no Rock One

MELHORES ÁLBUNS NACIONAIS DE 2009

2010-01-01T22:54:00.004Z

1º OqueStrada – Tasca Beat

2º Carminho – Fado

3º Micro Audio Waves - Zoetrope

4º JP Simões - Boato

5º Tó Trips - Guitarra 66

6º João Coração - Muda Que Muda

7º Sean Riley & The Slowriders - Only Time Will Tell

8º La La La Ressonance - Outdoor

9º Ana Moura – Leva-Me aos Fados

10º Mazgani - Tell the People

MELHORES ÁLBUNS INTERNACIONAIS DE 2009

2009-12-30T22:13:00.003Z

1º Bonnie Prince Billy – Beware

2º Bruce Springsteen – Working on a Dream

3º Phosphorecent - To Willie

4º The XX – XX

5º Yeah Yeah Yeahs – It’s Blitz

6º Iggy Pop – Préliminaires

7º Speech Debelle - Speech Therapy

8º Bob Dylan - Together Through Life

9º Fever Ray – Fever Ray

10º Sunset Rubdown – Dragonslayer

11º Wild Beasts – Two Dancers

12º Dan Auerbach - Keep It Hid

13º Manic Street Preachers - Journal for Plague Lovers

14º Alice in Chains - Black Gives Way to Blue

15º Fire on Fire - The Orchard

16º Sonic Youth - The Eternal

17º Seun Kuti & Egypt 80 - Many Things

18º Arbouretum – Song of the Pearl

19º Forest Fire - Survival

20º Jarvis Cocker - Further Complications

21º Clues - Clues

22º Low Anthem – Oh My God, Charlie Darwin

23º Girls - Album

24º Oumou Sangare - Seya

25º Amazing Baby - Rewild

26º Vieux Farka Touré - Fondo

27º Edward Sharpe and the Magnetic Zeros - Up from Below

28º Grizzly Bear - Veckatimest

29º Amadou & Mariam - Welcome to Mali

30º The Felice Brothers – Yonder Is the Clock

EXCITAÇÃO DA SEMANA: EDWARD SHARPE & THE MAGNETIC ZEROS, «UP FROM BELOW»

2009-11-17T22:25:00.004Z

O seu álbum de estreia "Up from Below" é um interessante rebuliço. São exultantes como os Arcade Fire, mas com uma desinibição bastante mais caricatural: uma descontração freak-hippie de espécies de bobos da corte... a banda de Win Butler não vai tão longe.

O pontual toque cigano que se sente no disco faz lembrar os Devotschka. Têm o lado messiânico dos Polyphonic Spree. E estão imbuídos do espírito folclórico e anárquico dos Tilly & the Wall. As canções são boas, mas é o ânimo especial do grupo que as empurra para uma atracção mais contagiante. (Vagrant, 2009)

Pode ler aqui artigo desenvolvido no Cotonete.

EXCITAÇÃO EM DELAY: FEVER RAY, «FEVER RAY»

2009-11-15T11:47:00.002Z

O álbum de estreia a solo da sueca Karin Dreijer Andersson (da dupla The Knife), sob o nome Fever Ray, é o outro lado do espelho de Vespertine de Björk, mas bem mais sombrio.
Mira-se o formato digital arty de Ryuichi Sakamoto e o maravilhoso mundo infantil de Björk, tal e qual o álbum de 2001 da estrela islandesa. Mas se Vespertine é o conto de fadas, Fever Ray é o seu conto de bruxas. O álbum da mulher dos Knife é pop electrónica de ninfa envolvida num mundo aterrorizante, de notas graves e de camadas fantasmagóricas de vozes distorcidamente masculinas e assustadoras.
Fever Ray é das obras mais misteriosas do ano e, quiçá, uma das melhores. Nunca é tarde para se falar de um álbum deste calibre. (Rabid, 2009)

FICÁMOS SEM RADAR, ANTÓNIO

2009-11-02T22:18:00.004Z

Obrigado, Mestre. E manda um abraço ao Peel que também temos saudades dele.
António Sérgio (1950-2009), divulgador (Rádio Renascença, Rádio Comercial, XFM, Radar...)

EXCITAÇÃO EM DELAY: YEAH YEAH YEAHS, «IT’S BLITZ»

2009-10-24T22:37:00.002+01:00

O último álbum dos amotinados Yeah Yeah Yeahs é um dos grandes resistentes deste ano do meu leitor mp3. No momento de edição do disco, há já uns bons meses, não se proporcionou falar do disco. Faço-o agora, se calhar com outra clarividência (maior, suponho). A verdade é que, qual certificado de grande disco, It’s Blitz não parou de crescer aos meus ouvidos.
O terceiro álbum dos Yeah Yeah Yeahs é a grande metamorfose do ano: uma mutação triunfal de um corpo minimalmente punk para uma nova sofisticação synth-pop. O cirurgião chama-se David Sitek, o produtor (e distinto membro dos TV on the Radio) que conseguiu o milagre de fazer da actriz Scarlett Johansson a autora de um magnífico álbum de versões de Tom Waits (Anywhere I Lay My Head).
A banda de Karen O consegue em It’s Blitz o jogo de cintura de agradar a gregos e a troianos: sem apagar a sua chama rock & roll, descobre melodias pop poderosas e profundas, de potencialidades cinéfilas óbvias. Foram longe, mais do que se pensava. (Interscope, 2009)

EXCITAÇÃO DA SEMANA: SPEECH DEBELLE, «SPEECH THERAPY»

2009-10-16T23:26:00.004+01:00

Razão a quem a tem: ao júri do Mercury Prize. O álbum da Speech Debelle é, de facto, uma delícia - e um vício saudável que cresce há semanas. (Big Dada, 2009)

EXCITAÇÃO DA SEMANA: WILD BEASTS, «TWO DANCERS»

2009-10-04T16:33:00.002+01:00

O mais próximo da transcendência mágica de Jeff Buckley que uma banda pop-rock britânica terá conseguido chama-se Wild Beasts, o feito recente é deles. O segundo álbum deste quarteto tem consistência para o rótulo de «uma das revelações de 2009». (Domino, 2009)

EXCITAÇÃO DA SEMANA: THE XX, «XX»

2009-09-26T15:18:00.003+01:00

Os jovens XX obedecem ao mesmo minimalismo simples dos inesquecíveis Young Marble Giants. A guitarra é fanhosa e a caixa de ritmos apoia-se em sequências básicas. As distracções oferecidas pelas estrutura instrumental de aprendiz dos XX são também reduzidas ao mínimo. O foco é, deliberadamente, a canção, e grandes virtuosismos técnicos são proibidos.

Mas desenganem-se aqueles que esperam dos XX o comportamento de meros bons alunos da escola Young Marble Giants. Há ali uma indisciplina face aos mestres bastante recomendável.

XX não é só um tratado por si mesmo. É também um tratado de paz improvável entre o indie pop mais doméstico e o r&b dançarino e festivo. (Rough Trade, 2009)

Pode ler artigo desenvolvido no Cotonete.

EXCITAÇÃO DA SEMANA: SUNSET RUBDOWN, «DRAGONSLAYER»

2009-09-13T15:29:00.003+01:00

Se os Interpol fossem bons, seriam como os Sunset Rubdown. As limitadas contas matemáticas dos primeiros são demasiado pequenas quando comparadas com a largueza da imprevisibilidade dos segundos. Esteticamente, são dois projectos mais vizinhos que amigos. O duelo entre matemática e arte mal chega a começar.
Ao leme dos Sunset Rubdown está o multi-instrumentista Spencer Krug, uma das personalidades mais activas da cena de Montreal - também visto nos mais que recomendáveis Wolf Parade, mas a colecção de projectos paralelos de Krug não se fica por aqui...
O quarto álbum deste colectivo canadiano, Dragonslayer, é uma espécie de ilha autónoma e independentista, culturalmente descendente dos Triffids e dos New Pornographers. Cada canção é de uma generosidade gigante em argumentos, e quando já ficaríamos contentes pela metade, não acreditamos que há ainda outra: um fôlego criativo de extensão hercúlea com espaço para um rematezinho mais aveludado que ficou por dar nos Joy Division.
Entretanto, a interpretação vocal de Spencer Krug já não cabe no sector da música, está ali numa dimensão teatral dramática.
Se tiver urgência em encontrar génio no estafado mundo do pop-rock, pare neste disco depressa. (Jagjaguwar, 2009)

OS 100 MELHORES ÁLBUNS DOS ANOS 90

2009-09-06T23:40:00.004+01:00

Em notas meramente pessoais e em mini-sinopses.
90º Chemical Brothers – Exit Planet Dust (Astralwerks, 1995)
O álbum certo feito no momento certo. Parte da revolução do big beat passou por esta rodela de electrónica com tanto rock & roll no nervo.

3 músicas a ouvir: “Life Is Sweet”, “Leave Home”, “In Dust We Trust”.

89º Laurie Anderson – Bright Red (1994)
O ponto perfeito entre ritmo e filosofia, corpo e cérebro, espectáculo e intelecto. Mais do que um álbum, Bright Red é um livro sem páginas.

3 músicas a ouvir: "Beautiful Pea Green Boat", "Speak My Language", "World Without End".

PS – Lista pessoal elaborada em Abril e Maio de 2009.

NO MEU CINEMA: «SACANAS SEM LEI», de QUENTIN TARANTINO

2009-09-02T23:04:00.002+01:00

Um filme da II Guerra Mundial com Spaghetti, por favor! Servido com aquela pitada de humor do costume.
Há mais grandes momentos do que a constatação deste ser um grande filme. E talvez não existam aqueles golpes de asa de filmes de Tarantino (os primeiros) como Cães Danados e Pulp Fiction. Mas o hipnotismo do grande cinema é uma benção de Sacanas Sem Lei... Com a ajuda da grande interpretação de Cristoph Waltz no papel de caça-judeus nazi.

SEUN KUTI, ONTEM NO CCB

2009-08-30T12:01:00.002+01:00

O groove teve sempre a prioridade, deixando tudo para trás: a melodia, a convenção ocidental de canção e até o protagonismo da estrela da noite, Seun Kuti, que muitas vezes saía da frente do palco. A música de Seun Kuti & Egypt 80 era de uma química que funcionava por várias camadas: as vocalizações de Seun e as respostas em coro uníssono de toda a banda, as batidas a partir de vários pontos do palco, os animados sopros de trompete e saxofones, as guitarrinhas repetitivas, as frenéticas dançarinas. Era uma festa para os ouvidos e para os olhos.

O afrobeat que passou esta noite pelo CCB é o funk antes dele ter nascido, apanhado ainda na barriga maternal que é África. Ter visto ao vivo Seun Kuti foi como ter assistido à ecografia de grande parte da música americana que hoje ouvimos.

Pode ler artigo desenvolvido no Cotonete.

EXCITAÇÃO DA QUINZENA: MALTA DO FOGO

2009-08-24T22:37:00.004+01:00

Fire on Fire, The Orchard (Young God, 2008)
Forest Fire, Survival (Broken Sound, 2009)

A música acaba de reescrever a sua versão do "Fahrenheit 451". Desta vez, os firemen passaram para o lado dos bons. Dos mesmo bons. Em vez de queimarem livros (como na obra literária de Ray Bradbury ou no filme de François Truffaut), dão-nos discos (mesmo muito bons). O fogo passou a uma metáfora inofensiva, simpática, lúdica até... Vá, não nos percamos em rodriguinhos, é um escaldão para a nossa alma, uma brasa!

E quem são estes novos beneméritos? Chamam-se Forest Fire e Fire on Fire (na foto acima) e vêm quase ao mesmo tempo para as lojas europeias, com os seus álbuns de estreia "Survival" e "The Orchard", respectivamente. Têm fogo no nome e nas mãos. Como não são egoistas (isto é, como publicam discos), dão-nos a conhecer esta efusiva piromania folk, tão americana. A música é de província, mas também muito pouco provinciana.

Concentremo-nos primeiro num dos tomos desta revisão musical ao "Fahrenheit", o belíssimo álbum dos Fire on Fire. Os cinco músicos (quatro homens e uma mulher) que o compõem vivem juntos em comunidade. Estão à margem das grandes fontes de conhecimento da internet. Não têm direito a menção no Wikipedia e são ostracizados no YouTube. Mas têm uma coisa muito mais importante: a benção de Michael Gira (ex-Swans), que co-produziu e publicou (através da sua editora, a Young God Records) este álbum, "The Orchard".

O multi-instrumentismo dos Fire on Fire merece um levantamento exaustivo do seu património, qual trabalho de avaliador. Usam os americanos harmónio (primo do órgão, com um som parecido ao do acordeão), banjo e guitarra metálica dobro; os orientais oud (parente árabe do alaúde em forma de pêra), nay (flauta oriental da cultura persa) e darbuka (a alma-gémea asiática do djembé); a balcânica tamboritza (outro tipo de alaúde); e o hippie djembé. Com toda aquela tralha, os Fire on Fire ainda arranjam espaço para os bocadinho mais normais acordeão, contrabaixo e pandeireta; e para a ainda mais normal guitarra.

Apesar desta expansão mundial instrumentista, a execução é 100% americana. Trata-se de uma felicidade exótica à Beirut mas sem passaporte, numa música muito viajada mas pela América dentro e não pelos Balcãs e vizinhanças. Os Fire on Fire cheiram a terra como os Felice Brothers. As raizes de bluegrass, os banjos às pazadas e aquelas vozes femininas à camponesa situam-nos também as Be Good Tanyas naquele horizonte largo de campos de trigo. Em suma, "The Orchard" soa à versão americana autêntica da blues-folk dos ingleses Gomez.

Os Fire on Fire sabem fazer a festa, têm aquela graça que nos embevece, um espírito destemido e grandes canções. Para o 2009 europeu, "The Orchard" é incontornável.

Entretanto, se estiver para se casar ou se tiver um(a) amigo(a) que esteja para dar o nó, e caso pertença a essa legião estimável dos simpatizantes do freak-folk, aconselhamo-lhe vivamente os Fire on Fire para banda de casamento. Fazem versões catitas e acústicas de clássicos rock e hard-rock (como os AC/DC). Basta ver uma das imagens disponíveis no seu MySpace. Quando for a minha vez, estou a pensar contratá-los.

Segundo tomo.
Parece perseguição geográfica: os Forest Fire são de Brooklyn, Nova Iorque. O espantoso álbum de estreia deste quarteto, "Survival" (já do ano passado), chega este mês à Europa e provocou já um deleite a este humilde escriba ao vosso serviço que jura a pés juntos (sem entradas maldosas sobre o adversário merecedoras do cartão vermelho) que nada tem que ver com dicas geográficas. Após consumação do entusiasmo pelo dito (e venerado) disco, este humilde escriba ao vosso serviço penetrou mais tarde no MySpace do grupo e quando viu a origem do grupo não quis acreditar. Que tamanho terá afinal Brooklyn, o de um continente? Será um borough nova-iorquino que em vez de ser 95% composto por médicos, professores e advogados, é habitado 99% por músicos, músicos e músicos? Há alguma isenção de pagamento de rendas aos que por lá tocam? Fala-se do hype como um malvado. Talvez seja. Mas se o hype está com Brooklyn, eu estou com o hype. Pelo menos em Brooklyn.

Que os Forest Fire são de Brooklyn, é 50% verdade. A outra metade (os outros dois) é da costa pacífico, dando aos Forest Fire uma imagem de funcionalidade por correspondência, numa dependência de comunicações semelhante à vivida pelos Pavement (que mais parecia uma cadeia americana de músicos espalhados do que uma banda).

Sobre aquilo que realmente interessa, a música, pode-se dizer que os Forest Fire são uma versão mais bucólica dos Walkmen - sim, é isso mesmo, estão mesmo muito próximos de Bob Dylan. Quando os imaginamos nas pradarias, têm a exaltação dos Arcade Fire e o grau aluado dos Violent Femmes. Mas quando nos é sugerida a garagem, vem ao de cima a faceta colérica dos Velvet Underground, com a chiadeira do violino a lembrar o som brutalmente enlouquecido da viola de arco de John Cale.

Trata-se de um álbum que é um brilhante revisionismo da folk através das melhores contramãos às convenções.

Versão editada de dois textos publicados no Cotonete, nas secções Novos Discos e Cotonete Play.

NO MEU CINEMA: «AS PRAIAS DE AGNÈS», de AGNÈS VARDA

2009-08-22T20:11:00.004+01:00

Deste narcisismo, tem que se gostar. Aquilo não é só amor próprio, é amor ao cinema.

OS 100 MELHORES ÁLBUNS DOS ANOS 90

2009-08-21T16:03:00.000+01:00

Vai assim a contagem...

91º Pavement – Wowee Zowee (1995)
92º U2 – Zooropa (1993)
93º Flaming Lips – Soft Bulletin (1999)
94º Tom Waits – Mule Variations (1999)
95º Cat Power – What Would the Community Think (1996)
96º Super Furry Animals – Guerrilla (1999)
97º Neil Young – Dead Man (B.S.O.) (1996)
98º Mojave 3 – Ask Me Tomorrow (1996)
99º Man or Astro-Man? – Experiment Zero (1996)
100º Stereolab - Emperor Tomato Ketchup (1996)

A PROVOCAÇÃO DOS MY BLOODY VALENTINE

2009-08-10T22:51:00.002+01:00

Os My Bloody Valentine deram no Rock One o concerto certo no local errado, no festival errado, no tempo errado.
No local errado? Uma actuação que obedece a um padrão intimista pensado para multidões pequenas, suportado por projecções de imagens psicadélicas e hipnótico-minimais num vasto ecrã atrás da banda, pede uma sala do género da do Grande Auditório da Gulbenkian? Será o recinto ao ar livre do Autódromo do Algarve parecido com o que aqui se pede? Será preciso dizer mais?
No festival errado? Os My Bloody Valentine são uma banda anti-concerto, anti-presença e, evidentemente, anti-festival. A postura dos guitarristas Kevin Shields (o geniozinho) e de Bilinda Butcher (que parece ter o dom de juventude eterna) é provocantemente estática e a atitude shoegazer é de um autismo psicadélico, imune aos insultos futebolísticos da arraia bárbara que se fizeram sentir. Quem os encaixotou num dia de punk adolescente, ou tem a faculdade de uma imaginação absurda, ou improvisou aos papéis uma solução de recurso acrítico (a segunda solução é de maior probabilidade).
No tempo errado? Falta um álbum novo a dar saúde artística a uma banda que, como bem provou nos arredores de Portimão, é absolutamente íntegra – não cede perante ambiente hostil... O maldito terceiro álbum já demora a sair há mais de 15 anos. Assentará bem o fardo de banda nostálgica aos My Bloody Valentine?
O resto foi um doce ataque sónico. Um paradoxo de ternura idílica com agressividade de ruído. Bem-ditos tampões de espuma! Por momentos, parecia que estava no local certo, a ver uma corrida automobilística, bem vacinado contra o barulho dos motores.

EXCITAÇÃO DA SEMANA: THE BATS, «THE GUILTY OFFICE»

2009-07-27T22:22:00.002+01:00

"The Guilty Office" é um belíssimo tomo de canções, movido por um romantismo pueril e por uma moderação pop que os aproxima muito aos Go-Betweens, com aquele espírito desinteressado por carreiras, concentrando-se apenas na música pela música. A batidinha velvetiana, a vozinha feminina (da guitarrista Kaye Woodward) na hora do refrão, os pequenos flirts à folk ou aquela meiguice intelectual são factores que empurram o sétimo álbum dos Bats para comparações com os Go-Betweens.

É verdade que a sobre-ocupação do líder Robert Scott em vários projectos (como os históricos pós-punks Clean, os The Magick Heads, a carreira a solo, mas há mais) interrompe rotinas e prejudica a afirmação da banda, mas nada justifica a desvalorização que tem vitimado os Bats. E este álbum incentiva essa indignação. Já são mais de vinte anos a produzir maravilhas. É hora de lhes prestarmos mais atenção. (Hidden Agenda, 2008)
Pode ler aqui artigo desenvolvido no Cotonete.

OS 100 MELHORES ÁLBUNS DOS ANOS 90

2009-07-15T23:39:00.004+01:00

Em notas meramente pessoais e em mini-sinopses.
92º U2 – Zooropa (1993)
A última obra de outro mundo dos U2. Brian Eno tem a palavra nas manobras pop do satélite Zooropa, que detectam no éter uma interpretação assombrosa de Johnny Cash, em “Wanderer”.

3 músicas a ouvir: “Numb”, “Wanderer”, “Dirty Day”.

91º Pavement – Wowee Zowee (Big Cat, 1995)
O maior mosaico inter-estilos da discografia do grupo: punk sujo, country-rock, melodias pop, tudo. Aqueles acordes de guitarra que abrem “Grounded” pedem eternidade.

3 músicas a ouvir: “Grounded”, “Grave Architecture”, “AT & T”.

PS – Lista pessoal elaborada em Abril e Maio de 2009.

ALIVE!09: RESCALDO EM 1/3

2009-07-13T22:51:00.002+01:00

O saldo pessoal da 3ª edição do Optimus Alive! deste ano que faço é o do segundo dia, o único em que estive no Passeio Marítimo de Algés. Sou ainda mais específico e centro-me nas duas únicas propostas que me encheram as medidas (o que já não foi mau), todas elas do palco secundário mais importante, aquele mesmo da tenda Super Bock.
Sobre os Hadouken!, a sua actuação foi um empurrão violento para a festa que a enorme multidão que se concentrava naquela zona não se importou de sofrer. A fusão que fazem entre grime, indie rock, electrónica e até alguns power chords de metal, ou aquilo a que se chama de grindie, é um barril de pólvora ao vivo. Com batidas electrónicas fortes e um tapete denso de sintetizadores, os Hadouken! colocam o electro-pop na rua.
Os Fischerspooner deram um dos espectáculos mais bem trabalhados do festival. A experiência de ver ao vivo um projecto que nos habituámos a ouvir em discotecas, durante o furor do electroclash, era já de si interessante. Mas ver aquela figura glam do vocalista Casey Spooner, a lembrar um velho ícone excêntrico dos anos 70 chamado Jobriath, a dançar com espelhos e a cantar com uma intensidade dramática sobre um som synth-pop que é oitentista e ao mesmo tempo contemporâneo e futurista, dá ao concerto um impacto considerável para quem vê, que aumenta com a coreografia de quatro bailarinas a dançar o ritmo agressivo do electroclash.

Partes do texto retirados de reportagens publicadas para o Cotonete.

EXCITAÇÃO DA SEMANA: OFFICIAL SECRETS ACT, «UNDERSTANDING ELECTRICITY»

2009-07-12T01:32:00.003+01:00

Se por acaso se sentir cansado ou deprimido, não tome nenhum químico. Consuma antes este álbum de estreia dos Official Secrets Act, "Understanding Electricity", que muda a disposição pelas melhores razões se, por acaso, tiver alguma inclinação pelo indie rock.

É um pós-punk arrebitado, doce e orelhudo, com uma batida veraneante e um apelo poppy. O quarteto de Leeds liderado por Tom Charge Burke fervilha como os Undertones e encaixa em melodias simpáticas tão bem como os XTC. Mas há também elementos de maior contemporaneidade: o baixo soa à Pixies, os tecladinhos fazem lembrar os Wannadies, os refrões empolgantes trazem à memória os New Pornographers e os corinhos convidam a comparações com os Clap Your Hands Say Yeah.

Cada canção dá um óptimo single; ouvindo-se "Understanding Electricity" parece que é fácil fabricar hits, mesmo que com toda aquela integridade indie. (One Little Indian, 2009)

Pode ler artigo desenvolvido no site Cotonete.

RELÍQUIAS DOS ANOS 90

2009-07-09T23:36:00.003+01:00

Em notas meramente pessoais e em mini-sinopses.

Heavenly - Operation Heavenly (Wiiija, 1996)
Conjunto leve de canções pop frágeis e elegantes, zelosamente guardadas em segredo para um pequeno culto. Quem ficou a perder foi o resto do mundo.
3 músicas a ouvir: “Space Manatee”, “Trophy Girlfriend” e “Nous Ne Sommes Pas des Anges”.

PS – Lista paralela aos 100 Melhores Álbuns dos Anos 90.

OUTRAS EXCITAÇÕES

2009-07-06T23:12:00.002+01:00

Seguem-se outras duas excitações recentes, dispostas por ordem decrescente de preferência.

Felice Brothers, Yonder Is the Clock (Team Love, 2009)
O álbum mais recente do agora quinteto americano, "Yonder Is The Clock", é uma maravilha de folclore pop nómada, transportada numa carroça de burros, que lhes dá uns ares de primos dos Walkmen lá da terriola. O fantasma de Bob Dylan também mete aqui o bedelho.

João Coração, Muda Que Muda (FlorCaveira, 2009)
O modo informalmente arcaico das canções de Coração convida liberdades maiores. E por isso, tudo encaixa tão bem, da melódica de Walter Benjamin ao contrabaixo de Miguel Gelpi à parceria vocal feminina de Lúcia Vaz Pato.

"Muda Que Muda" é um álbum despreocupadamente belo, feito de baladinhas luso-country, de corinhos solidários, de algumas razias ao nosso folclore e de uma erudição pouco clássica.
Pode ler aqui artigo desenvolvido no Cotonete.

EXCITAÇÃO DA SEMANA: GOLDEN SILVERS, «TRUE ROMANCE»

2009-07-05T22:58:00.002+01:00

É uma das estreias mais estimulantes do ano, o primeiro longo dos Golden Silvers, "True Romance". O trio londrino comandado pelo multi-instrumentista e vocalista Gwilym Gold apresenta-nos uma pop com QI elevado, que inclui letras elaboradas que envergonham a banalidade e um manancial de música extenso composto por melodias indie pop muito inglesas (com o seu quê de Housemartins), pinceladas de funk e alguma tecnologia disco sound.

A pop é aveludada e a forma de cantar de Gwilym Gold mostra-se aristocrata, citando-se a elegância de nomes dos anos 80 como os Prefab Sprout ou banda actuais como os Elbow. (XL, 2009)
Extraído de texto escrito para o Cotonete, para a secção Cotonete Play.

MICHAEL JACKSON (1958-2009): O GRANDE E.T. MUSICAL

2009-07-04T17:01:00.006+01:00

À uma da manhã ligo a rádio para ouvir as notícias. Ou melhor, para ouvir a notícia, porque as outras já não consegui dar atenção. A frase “Michael Jackson morreu” teve em mim um impacto fictício, mas ao mesmo tempo já a esperava. Claro que não naquele dia, não daquela forma. Mas havia no ar um prenúncio de desgraça. O homem não estava bem.

Michael Jackson sempre teve um défice de normalidade. Na primeira metade da sua vida (até 1983), pelas melhores razões. Na segunda metade, pelas piores.

O astro de Gary era um sobredotado da música com um poleiro humanamente inatingível para um indivíduo de 24 anos e meio. Com aquela idade tinha já atrás de si um percurso público de quase década e meia. E o que tinha feito e que estava prestes a fazer não era pouco. Foi o menino-prodígio dos Jackson 5, que acumulavam êxitos e recordes de vendas inimagináveis. Iniciou, paralela e precocemente, uma carreira a solo ainda na fase etária do armário e ganhou dentro da Motown uma autonomia autoral face ao produtor que Marvin Gaye e Stevie Wonder só obtiveram em idade bem mais madura. Ainda menor, Michael Jackson tornou-se na primeira estrela da Motown a não caber naquela fábrica de êxitos (e não estamos a falar de uma editora qualquer).

Mas faltava muito mais, em pouco tempo. Michael Jackson era uma espécie de nadador de estilos, campeão em várias categorias, navegando à vontade nos mais diversos géneros: da soul ao funk, da pop ao disco-sound. Quando transformou esses géneros num híbrido empolgante e avançado que fez de Thriller uma obra visionária em 1982-83 (e que o antecessor Off the Wall fazia adivinhar), Michael Jackson merecia passar de príncipe a rei, subindo ao trono da pop onde estava a sua coroa. Para isso, fundou ainda um concepção de espectáculo ao vivo bastante mais exigente que colocava ao mesmo nível a imagem, a dança, a música e luzes, e revolucionou o conceito de promoção de um disco através dos videoclips e da MTV (numa relação profícua que alimentou mutuamente a estrela e a estação televisiva em afirmação). Como se não bastasse, Thriller, empurrado pela edição em número-record de sete singles (e, claro, de sete videoclips), tornou-se no álbum mais vendido de sempre – Thriller vendeu até hoje 109 milhões de cópias, mais do dobro do número de vendas do segundo álbum mais vendido, Back in Black dos AC/DC (a sua cifra está em 45 milhões). Aos vintes e poucos anos, o que Michael Jackson já tinha atingido era de um escala pouco terrena.

Lamenta-se, por isso, o que se seguiu: sobras que, de álbum para álbum, se afastaram cada vez mais da qualidade da obra-prima Thriller. Michael Jackson foi-se tornando numa sombra pálida de si mesmo, numa caricatura troçável bloqueada nos seus tiques, à medida que foi perdendo contacto com a realidade através de uma vida estranha e extravagante que poucos conseguiam compreender. O declínio nunca parou; o planeta que o aclamava, Michael Jackson conhecia-o cada vez menos. A magia foi murchando.

Fui uma das muitas crianças que chorou de medo quando viu pela primeira vez o vídeo da canção Thriller, realizado por John Landis. Era um misto de fascínio e de temor. Mas o fascínio foi vencendo – descobria naquele produto uma bizarria sobrenatural que era atraente; quando abria a edição vinil, havia ali um brilho espacial. Mas a idolatria infantil foi substituída mais tarde pela chacota adolescente e pelo desprezo adulto.

Porém, nunca nos esqueçamos que foi o talento quase sobre-humano que o colocou num local privilegiado do passeio da fama de Hollywood. Michael Jackson era de outro mundo. Agora, ficámos a saber que de lá já não sai de vez. Descobriu a paz, ao menos? Desconfia-se que sim.

REGRESSO MARCADO PARA INÍCIO DE JULHO

2009-06-11T15:03:00.001+01:00

Até lá, meus caros!

EXCITAÇÃO DA SEMANA: CARMINHO, «FADO»

2009-06-11T14:54:00.002+01:00

Muito já se escreveu sobre Carminho e bem. Mas diante deste álbum, do monumento vocal de Carminho e do grande mérito dos músicos que o acompanham, todas as frases hiperbólicas que descrevem a artista não têm sido exageradas. O talento da cantora é demasiado verdadeiro para se conseguirem esconder palavras bonitas.

Com o apoio activo de Diogo Clemente na guitarra clássica (na produção e nalgumas letras e arranjos), as participações especiais de Ricardo Rocha na guitarra portuguesa e de Carlos Barretto no contrabaixo (que intervém no tema Espelho Quebrado) e o apoio estrutural de João Pedro Ruela (o manager de Mariza), sabe-se que Carminho não está sozinha. Mas é ela que dá todo o sentido a tudo o que a rodeia (dos lado de cá e de lá do palco).

Terminam em "Fado" as hesitações sobre quem é a legítima sucessora de Amália - é um rótulo, é um rótulo pesado mas as cordas vocais de Carminho tratam disso. Que se sigam os próximos capítulos, que já sentimos saudades de a ouvir novamente. (EMI, 2009)

Pode ler aqui artigo desenvolvido no Cotonete.

OS 100 MELHORES ÁLBUNS DOS ANOS 90

2009-06-10T23:47:00.003+01:00

Em notas meramente pessoais e em mini-sinopses.
94º Tom Waits – Mule Variations (Epitaph, 1999)
O génio sai do seu maior retiro de eremita de sempre para nos contar que tem um vizinho tão estranho quanto ele – e que construção andará a fazer naquela casa? O resto é um híbrido americano anarquista, em boa colheita, com o tal trato macabro de Waits.
3 músicas a ouvir: “What’s He Building?”, “Big in Japan” e “Come On Up to the House”.

93º Flaming Lips – Soft Bulletin (Warner, 1999)
Varinha mágica electro-psicadélica de efeitos virtuais sinfónicos e cinematográficos, uma colecção épica de canções do fabrico da mente bizarra de Wayne Coyne.
3 músicas a ouvir: “Race for the Prize”, “What Is the Light” e “Gash”.

PS – Lista pessoal elaborada em Abril e Maio de 2009.

OUTRAS EXCITAÇÕES

2009-06-08T21:53:00.003+01:00

Por ordem decrescente de preferência, seguem outras excitações dos tempos mais recentes.
Grizzly Bear, Veckatimest (Warp, 2009)
Ao terceiro álbum, "Veckatimest", a banda comandada por Ed Droste e Daniel Rossen faz com o seu balão de ensaio o voo mais aproximado ao céu de sempre do grupo. Há sempre qualquer coisa de mais trabalhado e mais apurado que se nota nos mais ínfimos pormenores. As camadas de harmonias vocais cristalinas têm qualquer coisa medieval de coros gregorianos que fazem da mais quotidiana garagem o seu convento - o encadeamento de vozes chega a ser arrebatador. Noutro dado intemporal, há uma tendência para pintar floreados mais barrocos, com apetrechos como a flauta, naquele mundo que é, ainda assim, de guitarras eléctricas.

Obsessivos-compulsivos em criar, os Grizzly Bear revelam-nos à velocidade de cada segundo uma ideia nova, em poucos segundos um enquadramento diferente. Crescem num instante para a dimensão de uma sinfonia e o seu idílio celeste sente-se até no próprio ricochete dos sons instrumentais.

Pode ler aqui artigo desenvolvido no Cotonete.

Tó Trips, Guitarra 66 (Mbari, 2009)
Tó Trips nasceu para o algarismo 6. Nasceu em '66. Cresceu a dedilhar 6 cordas. E no seu imaginário de viajante, globaliza a estrada 66 para lá da América, nalgum asfalto português que passe por Esmoriz, nalgum caminho norte-africano que consiga ligar Marrocos ao Egipto.

"Guitarra 66" é uma viagem de Trips para fora, muito para dentro dele mesmo. A partir do estrangeiro, entramos no íntimo do guitarrista como nunca estivemos antes. "Guitarra 66" é um álbum de temperaturas quentes tocado a preto e branco. Moreno, mediterrâneo, contemplativo. Tó Trips nunca expôs tanto a sua alma. E o que está lá dentro é um mundo.
Pode ler aqui artigo desenvolvido no Cotonete.

Vários, War Child Presents Heroes (Parlophone, 2009)
"War Child Presents Heroes" é uma compilação com o fim muito nobre de ajudar as vítimas (sobretudo crianças) de palcos de guerra como o Iraque, o Afeganistão ou o Zaire (antigo Congo Belga). O conceito é desde logo atraente: cada lenda musical selecciona uma música da nova geração para fazer uma recriação de uma canção sua. Beck é o que melhor corresponde à chamada (do monstro Bob Dylan, no caso), revolucionando a lenga-lenga folk-blues de 'Leopard Skin Pill Box Hat' com o seu electro-rock desengonçado, mantendo o saudável vício de impor o seu estilo, mesmo em composições alheias. Beck continua a ser o branco com mais ritmo do mundo, o genuíno preto de cabelo loiro (mesmo que sem carapinha).
Pode ler aqui artigo desenvolvido no Cotonete.

EXCITAÇÃO DA SEMANA: SONIC YOUTH, «THE ETERNAL»

2009-06-06T15:44:00.002+01:00

Uma tartaruga-gigante é capaz de durar 150 anos, uma ovelha sobrevive a 12 e uma borboleta aguenta-se durante seis semanas no Verão. Mas a vida artística de uma banda de rock não dura mais do que vinte anos, excepto se falarmos dos Sonic Youth. "The Eternal" impõe-nos esta conclusão excepcional, com um título que só nos Sonic Youth não é gratuito.

Os Rolling Stones, os U2 ou os Depeche Mode são hoje meros negócios que põem a render períodos criativos que não ultrapassaram, em cada caso, 15 primaveras. Jim Morrison e Kurt Cobain morreram antes de tempo, condenando os Doors e os Nirvana ao mesmo destino. E mesmo na vanguarda, bandas criativas como os Pere Ubu, os Fall ou os Red Krayola são mais o reflexo da personalidade dos seus líderes do que uma identidade colectiva estável. Mas os Sonic Youth sempre estiveram aí e sempre foram uma BANDA - desde sempre (desde 1981), Kim Gordon, Thurston Moore, Lee Ranaldo e, desde 1986, o baterista Steve Shelley - como hoje tão bem o mostram.

Provavelmente, os Sonic Youth fizeram a maior invenção do rock de todos os tempos: aquela corrosão desconstrutiva de guitarras dinamizada por uma raríssima democracia de três cabeças compositoras (Gordon, Moore e Ranaldo) ainda hoje rende, já lá vão quase trinta anos. As alterações sempre foram progressivas e nunca súbitas: foram-se desprendendo do som aterrador e violento com que apareceram ao mundo em "Confusion Is Sex" e foram amaciando o seu som para um modo mais confortável, tudo isto sem grandes cortes.

Mais do que grandes músicas e que uma cultura, é a força exibida por um álbum como "The Eternal" que impresiona e a forma como uma boa ideia resiste com tanta saúde. Claro que há pequenas novidades no disco: há mais coabitação de várias vozes nas próprias músicas entre os três compositores e, factualmente, o baixista Mark Ibold (ex-Pavement) aparece como o quinto membro. Mas acima de tudo há um acréscimo de mais uma dose de canções para a brilhante colecção dos Sonic Youth. O jogo de cintura entre as intervenções sound-art e os compromissos melodiosos de uma canção é ainda um mote incendiário para a alma do fã do grupo.

Os Sonic Youth são um modo de vida. A mini-saia continua a assentar bem na saltitante Kim Gordon; a longa franja de Thurston Moore continua a dar-lhe um ar juvenil; e Lee Ranaldo mantém o seu (des)penteado informal. Mas a sua vitalidade continua a ser a música. (Matador, 2009)

Artigo publicado no site Cotonete.

RELÍQUIAS DOS ANOS 90

2009-06-03T21:44:00.003+01:00

Em notas meramente pessoais e em mini-sinopses.
Mão Morta – Mutantes S.21 (Fungui, 1992)
Inter-rail sanguinário em nove cidades e a velocidade escaldante. "Budapeste" foi um acidente a meio-percurso que não alterou o traçado das viagens subsequentes da banda.
3 músicas a ouvir: “Lisboa (Por Entre as Sombras e o Lixo)”, “Barcelona (Encontrei-a na Plaza Real)” e “Amesterdão (Have Big Fun)”.

PS – Lista paralela aos 100 Melhores Álbuns dos Anos 90.

EXCITAÇÃO DA SEMANA: IGGY POP, «PRÉLIMINAIRES»

2009-05-31T23:47:00.002+01:00

Sem grandes recursos humanos e sem se alongar muito (o álbum mal ultrapassa a meia-hora), Iggy Pop faz uma obra abrangente e coerentemente conexa, mostrando que há muito mais no seu mundo que o rock & roll e o frenesim. Há também meditação filosófica e um pouco de calma.

Inspirado pelo livro de Michel Houellebecq, "La Possibilité d'une île", Iggy Pop consegue converter-se num homem de standards de jazz ao estilo clássico de Nova Orleães ('King of the Dogs'), num romântico da chanson française ao estilo pop do Serge Gainsbourg dos anos 80 (na versão do clássico 'Les Feuilles Mortes'), num músico de blues de rua à antiga ('He's Dead/She's Alive'), num experimentalista ambiental avant-garde ('Party Time'), num renovador da bossanova (na versão de Jobim, 'How Insensitive') e até num rock & roller que ainda não vendeu os seus cavalos de corrida ('She's a Business'), sem nunca ser paradoxal. Os ares afrancesados (e fumegantes) de 'Préliminaires' e o maior espaçamento da música da Iguana dão uma unidade exemplar a este livro de vários estilos.

Iggy Pop mostra assim uma nova vida e renasce. (Astralwerks/Virgin, 2009)

Pode ler artigo desenvolvido no Cotonete.

OS 100 MELHORES ÁLBUNS DOS ANOS 90

2009-05-29T00:02:00.003+01:00

Em notas meramente pessoais e em mini-sinopses.
96º Super Furry Animals – Guerrilla (Flydaddy, 1999)
Talvez o mundo se tenha inclinado demasiado para OK Computer dos Radiohead, devorando-o e gastando-o, desguarnecendo maravilhas como Guerrilla destes simpáticos galeses. Neste álbum, e sobretudo na cabeça do líder Gruff Rhys, está o ponto de equilíbrio perfeito entre a criança e o adulto, extraindo-se o melhor de cada: a criatividade selvagem e a progressão intelectual, respectivamente.
Mas psicadelismo e electrónica com salsa talvez seja uma degustação demasiado estranha para o mundo lhe dar o devido valor.
3 músicas a ouvir: “Some Things Come from Nothing”, “Do or Die” e “Night Vision”.

95º Cat Power – What Would the Community Think (Matador, 1996)
Por vezes, sente-se mais prazer num momento que adivinha outro momento maior do que o próprio momento maior. Preferir a escalada ascendente ao cume faz até imenso sentido, mais ainda se pensarmos neste disco, um preparativo cru com cheiros a Sonic Youth e a Patti Smith. E a folk era já uma miragem (um desejo, mesmo que ainda inalcançável).
O desenho de mais um grande cromo feminino na caderneta do rock & roll ganha aqui importantes contornos.
3 músicas a ouvir: “Nude as the News”, “Bathysphere” e “Enough”.

PS – Lista pessoal elaborada em Abril e Maio de 2009.

EXCITAÇÃO DA SEMANA: MANIC STREET PREACHERS, «JOURNAL FOR PLAGUE LOVERS»

2009-05-24T10:42:00.003+01:00

Os Manic Street Preachers são uma banda de rock invulgar, não por causa de alguma extravagância experimentalista mas por serem radicalmente clássicos, resistentemente clássicos. E nos dias que correm, já ninguém o é. Ou pelo menos da forma persistente e crente com que os Manics se apresentam, não há quem. O mérito da sua peculiaridade não está tanto no querer mas sim no conseguir ser. O formato clássico rockeiro do grupo de James Dean Bradfield é uma obstinação, um triunfo que dura vinte anos, e não uma casmurrice.

Houvesse mais meia-dúzia de bandas com a política e, palavra importante, a qualidade dos Manics neste mundo, e o rock, tal e qual como o conhecíamos, poderia ter prolongado o seu prazo de validade até aos dias de hoje, com os dias gloriosos da rádio em polvorosa e massas de multidão a acorrerem aos estádios e aos grandes pavilhões para verem a sua banda eleita. Os Manic Street Preachers trabalham hoje como se esse mundo ainda existisse e é isso que lhes dá uma identidade única. E de certo modo conseguem esse "furo", só que agora esse mundo é uma recriação exclusiva dos Manics.

Chegados agora ao nono álbum após normais e anormais oscilações, o grupo recupera 13 dos últimos escritos do guitarrista desaparecido Richey Edwards para as 13 faixas do disco novo. É esse o factor noticioso nº1 de Journal for Plague Lovers, aquilo que se deve escrever numa sinopse. Mas com o tempo, e ultrapassados os aspectos factuais, o que vai sobrar de Journal for Plague Lovers vão ser as maravilhosas canções que ali constam, uma colectânea explosiva de grandes baladas e de rock inflamado - quase todos os temas bons candidatos a singles; conseguir-se-á destacar algum?, não consigo - que dão razão e saúde à crença tradicionalista da banda.

Conforme o álbum nos relembra, não há quase banda pop nenhuma que tenha no vocalista uma voz tão expansiva e calorosa como a de James Dean Bradfield. E deve ser difícil encontrar alguém que durante quase vinte anos mantenha viva na alma uma raiva punk tão arrebatadora quanto ele. Nicky Wire, que com Richey Edwards compunha a facção glam-poética da banda, aceitou prescindir do seu papel activo de letrista em favor da poesia inédita do seu velho amigo desaparecido que une todo álbum. Mas é o baterista Sean Moore que, no mínimo, merece tantos créditos em Journal for Plague Lovers quanto James, Nicky e Richey. Moore consegue desdobrar-se pelos bombos como se fosse um homem-polvo com oito membros; não oito tentáculos, mas quatro braços e quatro pernas herculeamente disponíveis para bombear batidas com as baquetas e os pedais. É, também, o trabalho notável do baterista que dá sentido ao que representa "Journal for Plague Lovers": um ponto intermédio entre a sonoridade dos primeiros álbuns (sobretudo os aguerridos Generation Terrorists e Holy Bible) e um tempo mais maduro e desapressado (reflectido em obras como This Is My Truth Tell Me Yours e Lifeblood).

Os Manic Street Preachers não têm pudores estéticos e por isso têm uma margem musical tão larga: ligam The Clash com Guns N' Roses (como acontece no álbum de estreia, Generation Terrorists), e ABBA com Joy Division (como se pode ouvir no maravilhoso e demasiado irreconhecido Lifeblood), com uma coesão só possível na banda galesa. Em Journal for Plague Lovers, a banda que venera o trabalho da pintora Jenny Saville (ao ponto de usar um dos seus trabalhos para capa do disco) é a mesma que vai em busca de um rock-FM orelhudo e fresco, sem nunca destoar. É também por isso que este é um álbum enorme. (Columbia, 2009)

Artigo publicado no site Cotonete.

OBRIGADO, BÉNARD

2009-05-21T23:18:00.000+01:00

A Cinemateca foi durante anos uma espécie de segunda casa para mim. Além dos ciclos que seguia apaixonadamente, era um sítio onde revia velhos amigos, onde fazia outros e onde, volta e meia, via aquela figura bonacheirona e sábia que dava pelo nome de Bénard da Costa, o guardião cultural da casa - que ia aparecendo.
Aquelas simpáticas Folhas da Cinemateca, que se liam após cada sessão, denunciavam assinatura por Bénard sempre que as mesmas tinham quatro páginas em vez das habituais duas. E não se conseguiam deitar fora de tão bem escritas – que. claro, nunca se conseguiam resumir ao cinema, havia ali uma graça luminosa com muito mais fontes (literatura, pintura, música clássica, religião, política). Tenho ali um dossier grosso que as guarda quase todas.
Numa deliciosa entrevista dada a Clara Ferreira Alves (como eram todas as que dava), Bénard da Costa confessava não poder acreditar na mortalidade da alma, não admitia que a riqueza humana de um indivíduo pudesse desaparecer só porque o seu corpo morria. Eu também não acredito. Esse reservatório não-táctil de impressões, intuições, gostos e conhecimentos que distinguia Bénard tem que ir para algum lado. Não vai assim com uma aragem.

OS 100 MELHORES ÁLBUNS DOS ANOS 90

2009-05-18T22:49:00.003+01:00

Em notas meramente pessoais e em mini-sinopses.
98º Mojave 3 – Ask Me Tomorrow (4AD, 1996)
Americana mais brit não deve haver. É uma memorável colecção de canções que confirma uma das grandes metamorfoses da década, dos furacões de guitarra eléctrica shoegazer dos Slowdive a um formato mais folk e cinematográfico da nova formação dos Mojave 3, como se Nick Drake tivesse ficado enamorado pela música dos Cowboy Junkies. Ask Me Tomorrow é o último grande momento de rédea vocal para Rachel Goswell, para pena das composições subsequentes de Neil Halstead.
3 músicas a ouvir: “Tomorrow’s Taken”, “Sarah”, Mercy”.

97º Neil Young – Dead Man (B.S.O.) (Warner, 1996)
Sem o seu habitual gangue de cavaleiros selvagens, Neil Young, da solidão do alto do seu monte americano, documentou algum soundcheck muito inspirado para o western mais atípico de todos, Dead Man de Jim Jarmusch. Não foi preciso nenhuma orquestra de cordas, o épico estava no espírito de Neil Young que numa sessão improvisada e arranhada à guitarra eléctrica e ao órgão, abanando-se numa sombra corcunda perante o grande ecrã, soltou garras. Bastou.

PS – Lista pessoal elaborada em Abril e Maio de 2009.

EXCITAÇÃO DA SEMANA

2009-05-16T22:47:00.003+01:00

A excitação desta semana reduz-se a um tema: a fabulosa versão de Beck ao original de Bob Dylan, Leopard-Skin Pill-Box Hat, para a compilação humanitária War Child Presents Heroes.
Pode ler aqui artigo desenvolvido para o Cotonete.

RELÍQUIAS DOS ANOS 90

2009-05-13T23:08:00.002+01:00

Em notas meramente pessoais e em mini-sinopses.

Angel Corpus Christi – White Courtesy Phone (Almo, 1995)
Dificilmente Lou Reed poderia imaginar uma descendente tão optimista quanto a acordeonista Angel Corpus Christi. Mas facilmente imaginamo-la a cantar de sorriso largo nos lábios. White Courtesy Phone é um dose cheia de bons espíritos, letras inteligentes e uma pop avant-garde invulgarmente prática para o ouvido. Desconfia-se que o mundo não teve barriga cheia para consumir este disco. Por onde andará agora Angel Corpus Christi a espalhar os seus bons ares?
3 músicas a ouvir: “John Cassavetes”, “Big Black Cloud” e “Fall”.

PS – Lista paralela aos 100 Melhores Álbuns dos Anos 90.

OS 100 MELHORES ÁLBUNS DOS ANOS 90

2009-05-11T21:32:00.003+01:00

Em notas meramente pessoais e em mini-sinopses.

100º Stereolab - Emperor Tomato Ketchup (Duophonic, 1996)
Sempre imaginei uma menina de tranças a saltar que nem uma tonta, no seu quarto, ao som de uma canção como "Emperor Tomato Ketchup", com o seu equipamento indie completo da Adidas, do casaquinho aos ténis – e o que não daria um bom anúncio para a marca das três riscas?, punha-me eu então a pensar.
Quem é que podia fazer na altura viagens espaciais de recortes tão desmesuradamente poppy, com moogs foliões à solta, mensagens esquerdistas por cima de títulos tão artisticamente técnicos e ainda com um delicioso sotaque afrancesado no comando de um coro de sereias feminino tão docilmente corporativista?... Os Stereolab caíam de lado nenhum, sobretudo em Emperor Tomato Ketchup.
3 músicas a ouvir: “Emperor Tomato Ketchup”, “Les Hyper-Sound” e “Motoroller Scalatron”.

99º Man or Astro-Man? – Experiment Zero (Touch and Go, 1996)
Filhos da ostentação espacial dos Devo, netos da coreografia surf-music de Dick Dale, sobrinhos da loucura psycho-billy dos Cramps, as suas naves fizeram maior estrondo aquando de Experiment Zero.
E não me venham com histórias, aquela locomoção tão frenética e maquinal daquelas quatro figuras de BD em palco não era nenhuma magia inter-galáctica, nem nenhum efeito especial devedor de algum filme sci-fi de série B, aquilo vinha do poder do rock & roll.
3 músicas a ouvir: “Anoxia”, “Evil Plans of Planet Spectra” e “9 Volt”.

PS – Lista pessoal elaborada em Abril e Maio de 2009.

OS 100 MELHORES ÁLBUNS DOS ANOS 90

2009-05-11T21:27:00.000+01:00

Vou iniciar uma maratona que sabe-se lá quando vai acabar. Atrever-me-ei a enumerar os 100 melhores álbuns de cada uma das últimas décadas: 00s, 90s, 80s, 70s, 60s e ainda os 100 melhores discos, incluindo compilações, da música publicada até 1959. Terei que começar pela última década que acabou, a dos anos 90.
Serei fastidioso, lento, paradoxal, datado, subjectivo, mas também apaixonado. Através de uma contagem decrescente do 100º para o 1º, e de uma pasta não-secundária de Relíquias, deixarei escritas as minhas impressões através de meras notas pessoais e mini-sinopses.
Do combate entre a inclinação pessoal e a visão crítica mais fria de que se fazem estas listas, vou deixar vencer a primeira.

OUTRAS EXCITAÇÕES

2009-05-10T14:39:00.003+01:00

Seguem-se outras excitações, alinhadas por ordem decrescente de rendição...

Arbouretum, Song of the Pearl (Thrill Jockey, 2009)
Com uma proximidade cavernosa a contemporâneos como os indie rockers canadianos Black Mountain, os Arbouretum fazem do seu mais recente álbum uma obra de grunge em câmara lenta, como se a densidade grave de bandas como os Soungarden ou os Alice in Chains tivesse passado pelas mãos de uns mais harmoniosos e desacelerados Crosby, Stills, Nash & Young.

O líder deste quarteto de barbudos da montanha é o guitarrista Dave Heumann, equipado divinamente por um instrumento precioso nas cordas vocais que lhe dá aquela grandiosidade melódica que abençoa Eddie Vedder, dos Pearl Jam, ou Mark Lanegan, ex-Screaming Trees. A voz de Heumann é uma luz para o fascinante ponto de intercepção entre doom e americana dos Arbouretum.

Este álbum é um delicioso arrebatamento de ex-corredores de asfalto por um tractor.

Extracto parcial e editado de um artigo assinado para a secção Cotonete Play, sobre a canção “False Spring”, que pode ler aqui.

Bill Callahan, Sometimes I Wish We Were an Eagle (Drag City, 2009)
O "segundo álbum a solo" (sim, merece aspas), "Sometimes I Wish We Were an Eagle", tem como razão principal para não ser esquecido o reforço do arranjo de cordas que acentua o dramatismo bucólico da música de Bill Callahan.

Claro que Callahan continua um Nick Drake das pradarias americanas e um herdeiro legitimado da country contemplativa de Townes Van Zandt, carregando com aquele borburinho da batida dos Velvet Underground sempre algures. Mas agora ele é um compositor que merece a consideração de uma nova força sublime, mais numerosa: um combinado épico de violinos, violoncelos e trompas que enrolado no seu combo rock causa ainda mais estilhaços nas almas melómanas.

Como vai sendo tradição em Bill Callahan, "Sometimes I Wish We Were an Eagle" promove o que há de melhor e de mais imprevisível na música: os contrastes. Este é um álbum tão monocórdico e tão multi-direccional. Tão (ilusioramente) chato e tão charmoso. Tão repetitivo e tão criativo. Tão arrebatador e tão contido. Tudo, comoventemente, ao mesmo tempo.

Pode ler aqui artigo desenvolvido no Cotonete.

PJ Harvey & John Parish, A Woman A Man Walked By (Island, 2009)
Volta e meia, no meio dos seus trajectos individuais entre a agitação citadina das grandes metrópoles ocidentais e a calma do mar inglês de Dorset (do sudoeste da ilha), PJ Harvey regressa ao seu porto de abrigo: o amigo e parceiro musical de há muito John Parish. Como se procurasse um conselho, um momento de meditação, junto de alguém que tão bem a conhece.

Parish, como o amigo confidente, e sempre solicito, diz-lhe então o que pensa. Através de pequenas notas (musicais). Retoma-se assim, 13 anos depois, o método de outro álbum, "Dance Hall at Louse Point", que os uniu em co-autoria: John escreve as pautas, Polly Jean trata das letras; John é o músico, Polly a intérprete.

Mas "Dance Hall at Louse Point" e "A Woman A Man Walked By" são álbuns muito diferentes. O primeiro é uma linha contínua que faz de cada faixa uma peça ao serviço de um puzzle. O segundo parece um vôo picado ao passado de PJ Harvey, sobretudo aos álbuns que escaparam às mãos de John Parish, como se o músico lhe quisesse segredar dicas do que a cantora devia ter feito.

John Parish é o ponto de apoio, mas a estrela, a fogosa, é PJ Harvey. Quando as composições são da cantora, têm um brilho desmedido. Nas mãos de John Parish, as músicas têm uma qualidade um bocadinho mais normal. Porém, que fique claro, "A Woman A Man Walked By" tem substância quanto baste para convencer qualquer fã de PJ Harvey. A cantora trata-se bem.

Pode ler aqui artigo desenvolvido no Cotonete.

EXCITAÇÃO DA SEMANA: OQUESTRADA, «TASCA BEAT: SONHO PORTUGUÊS»

2009-05-09T22:04:00.001+01:00

Com sete anos e um difícil EP de existência, lá assentaram arraiais num estúdio para gravar o seu primeiro longo, "Tasca Beat: Sonho Português". Tal como os Deolinda, desdramatizam o peso melancólico da música portuguesa, despindo o fado das formalidades de bons fatos e democratizando-o a gente com outra formação. Em 14 músicas de folia pop mestiça, os OqueStrada conseguem ser uns Fairground Attraction à portuguesa e uns Mler Ife Dada mais vadios.

São até mais plurilingues que qualquer Papa (usam português, crioulo, castelhano, francês, inglês), abrem ares a trompetes de alguma companhia em algazarra, e a vocalista Miranda ainda arranja tempo para cantarolar um esboço de 'Dancing with Myself' de Billy Idol. Fica tudo bem nesta alegre misturada.

A própria instrumentação é o reflexo de uma rebeldia autónoma. João Lima, o homem da guitarra portuguesa, numa boa atitude taberneira, é pessoa para fazer percussão com a cadeira e um copo. E o bricoleiro Pablo inventou a contra-bacia, uma espécie de contrabaixo comprado na loja dos trezentos, constituído por um balde, uma corda e um cabo de vassoura.

Esta música bairrista almadense, de pop que recria os tempos do namoro à janela, deu-nos aquele que é até ao momento o melhor álbum nacional do ano. (2009)

Pode ler aqui artigo desenvolvido no site Cotonete.

DVDTECA: ARCADE FIRE, «MIROIR NOIR»

2009-05-07T17:15:00.002+01:00

Quando um DVD de música é bom demais, a sua autoria não se pode restringir aos artistas/sujeitos do objecto. E quando assim é, o mentor por trás das câmaras merece a divisão dos louros na lombada do produto. É o caso do fascinante documentário de 70 minutos "Miroir Noir". O DVD é sobre os Arcade Fire mas não é só dos Arcade Fire. É também do seu realizador, Vincent Morisset.

Se há banda visualmente interessante que merecia ter DVDgrafia, já se sabia, ela chamava-se Arcade Fire. A forma individual como cada um dos sete membros da banda se expressa em palco, contribuindo para a ribalta não se limitar ao protagonismo do líder (no caso, Win Butler), é matéria fascinante para qualquer realizador. O curioso e o invulgar desta banda é ver que cada um desses contributos, ao seu estilo, se dirige para uma coesão militarizada que recruta, muito voluntariamente, cada membro do seu público para o acto épico da banda. Não são só os sete ou oito músicos em palco a cantar em uníssono; os coros dos Arcade Fire estão numerados segundo a lotação do recinto onde tocam.

Mesmo se se usasse um método quadrado de se filmar apenas o que se passa em palco, os resultados finais nunca poderiam sê-lo porque a banda é só por si um caso de estudo e de catarse. Porém, e como seria de esperar, Vincent Morisset e os Arcade Fire quiseram elevar a fasquia e procuraram um ângulo completamente diferente para Miroir Noir, bem mais exigente.

O documentário é um medley de mais de uma hora, de recortes, que circula à volta da música dos Arcade Fire, em especial de todo o álbum "Neon Bible". O DVD é um carrossel em rotação contínua que apanha bocados soltos das 11 músicas do segundo álbum da banda de Montreal nas mais variadas situações: a gravação da vocalização de Win Butler no exterior da igreja que os Arcade Fire compraram ('Keep the Car Running'); 'Ocean of Noise' cantado por Win Butler e a sua mulher Régine Chassagne numa suíte do hotel com panorâmica para uma cidade estrelada por milhares de luzes; 'Neon Bible' tocado num elevador por todos os apertadinhos músicos do grupo, com Richard Reed Parry a fazer percussão com o rasganço de uma revista; ou o final arrebatador de 'No Cars Go' num coliseu qualquer onde apetecia estar. A multiplicação de cenas insólitas, que estimulam os sentidos todos e um mano-a-mano entre imagens e sons, faz de "Miroir Noir" a mais bela ode a um álbum que um filme já fez.

Mas despreocupem-se os fãs mais acérrimos do álbum de estreia "Funeral", o idílio de "Miroir Noir" também passa vista a alguma da colheita dessa obra-prima do indie-rock (como 'Haiti', 'Power Out' ou 'Rebellion (Lies)', e não só ('Cold Wind', composto para a série de TV "Sete Palmos de Terra", sonoriza uma das travessias de asfalto do filme).

Há momentos em que desejamos não ouvir um som tão abafado naquela cena; em que rogamos pragas contra aquele corte abrupto da nossa parte preferida daquela música; ou que lamentamos não ver melhor determinado performer numa certa interpretação ao vivo. São pequenas contrariedades de uma opção visual mais oblíqua que nos dá o essencial com muito mais clareza: as vibrações enérgicas da banda e a força nuclear do harmonioso casal Win Butler & Régine Chassagne em todas as decisões dos Arcade Fire.

"Miroir Noir" é um deslumbramento sonoro e visual que dá a Vincent Morisset aval de cineasta. E que eterniza uma fase recente de hiper-criatividade da banda, que se testa a si mesma com interpretações nos mais variados contextos (da rua ao elevador, da arena de uma sala à capela). Grandioso.

Artigo publicado no site Cotonete.

OUTRAS EXCITAÇÕES

2009-05-04T22:55:00.004+01:00

Outras excitações, muitas, acumularam-se ao longo de semanas. Seguem apenas algumas, dispostas por ordem decrescente de apreciação...
Leonard Cohen, Live in London (Columbia, 2009)
Leonard Cohen não é só a estrela que merece imediata veneração. É também o velhinho timoneiro bonacheirão que democratiza atenções para com os seus nove companheiros de palco. É o cavalheiro que nunca se sente demasiado repetitivo quando louva pela enésima vez cada músico seu e imaginamo-lo a fazê-lo entendendo o seu chapéu na direcção do elogiado (assim o lembramos). E que por isso nunca nos cansa.

"Live in London" é dos raros discos que pode ter 26 músicas e mais de duas horas sem ser fastidioso.

Pode ler aqui artigo desenvolvido no Cotonete.
Grand Duchy, Petit Fours (Cooking Vinyl, 2009)
Comprar um disco de Black Francis (ou de Frank Black) da sua vida pós-Pixies tornou-se num acto imprevisível, de sorte, como se fosse um jogo de bingo. Tanto pode sair um disco genial, interessante, mediano ou um simples desastre - Black fez de tudo isso. Tanto pode ser uma obra de punk-rock, de country, de rock FM ou de soul à Phil Spector - Black também fez de tudo isso.

O que Black ainda não tinha feito era ligar o som dos Pixies com o da vanguarda urbano-depressiva britânica (que vai de Durutti Column a Psychedelic Furs) que criou culto na primeira metade dos anos 80. A novidade, o sumário em 37 minutos do que foi em toda a sua extensão essa década, está inscrita no álbum de estreia do seu novo projecto, Grand Duchy, que o liga à sua esposa Violet Clarke.
Pode ler aqui artigo desenvolvido no site Cotonete.
Neil Young, Fork in the Road (Reprise, 2009)
O rock de "Fork in the Road" é turbulento, desafiador, aventureiro. Tocado em modo ziguezagueante e repetitivo, ignorando parâmetros, quaisquer que eles sejam. Por vezes, é uma jam. Ou um cruzamento entre rock, country e blues, mas numa circulação em rotunda multiplicada por várias voltas. Noutras ocasiões, é uma rispidez punk à velocidade de um carro de corrida americano. Tudo com um estilo antigo.

A agigantar a espirirualidade da armada eléctrica estão os inimitáveis coros que nas músicas de Neil Young parecem polifonias, preciosamente cristalinos, que buscam os agudos da criança que há em cada músico. Como momentos insólitos de relaxamento à austeridade rockeira, figuram apenas 'Off the Road', perfumada pela melancolia de uma condução solitária noite dentro, e a desacelaradíssima 'Light a Candle'.

"Fork in the Road" pode ser uma obra um bocadinho menor do artista. Mas tem sabedoria e liberdade. E tem-no de forma eloquente.

Pode ler aqui artigo desenvolvido no site de música Cotonete.

EXCITAÇÃO DA SEMANA: BOB DYLAN, «TOGETHER THROUGH LIFE»

2009-05-03T22:26:00.003+01:00

"Like a rolling stone", rola, rola sem parar a música actual de Bob Dylan. Qual Eureka num banho matinal, caiu-lhe a lotaria na forma de ideia luminosa nalgum dia especial de meados dos anos 90. E desde então, tem-lhe bastado manter o modus operandi iniciado no genial álbum de 1997, "Time Out of Mind" (para alguns, incluindo este escriba, a obra-prima de Dylan). Os álbuns subsequentes - "Love and Theft" (de 2001), "Modern Times" (de 2006) e este "Together Through Life" (de 2009) - são outras maravilhas de uma América antiga reciclada.

Aprecia-se a música de hoje do renascido Bob Dylan como se degusta a dureza de um queijo curado na vez de um mais acessível e gelatinoso flamengo. É preciso um paladar adulto, demora tempo a chegar lá mas, depois, sente-se a superior diferença do sabor em relação à concorrência. A música de Dylan também tem essa maturação e essa diferença.

Ouvir Bod Dylan e os seus fiéis eleitos em "Together Through Life" leva-nos àquela banda hispânica, supostamente mexicana, que faz a imagem do contraverso do disco. Há ali qualquer coisa mais explícita de banda de tasca de província que se sente por parte dos actuais apaniguados do autor de 'The Times They Are a-Changin'. Ouve-se um som mais cheio do acordeão (novidade introduzida pelas mãos do novo recruta David Hidalgo dos Los Lobos) e um dedilhar virtuoso de uma guitarra acústica que parece vindo das mãos ciganas de algum Django Reinhardt.

A este som de terra mais moreno junte-se o familiar caldeirão de Bob Dylan, de regresso às origens da sua América rural Natal, sugando as raízes da folk, dos blues e do rock & roll antes dos seus ramos genealógicos terem desabrochado. Os parâmetros desta reciclagem de Bob Dylan & co. tem uma validade elástica com garantia de enquadramento para qualquer uma das últimas seis décadas. E que grande máquina do tempo inventou Dylan.

No meio daquele estilo campónio e eléctrico pós-Edison, há ali também qualquer coisa de rebeldia surrealista e non-sense, como se fosse uma banda de Captain Beefheart, mas a um ritmo moderado pela veterania de Bob Dylan, com aquela voz cada vez mais bela e carismática de velhinho.

Bob Dylan libertou-se da sofisticação urbana de Greenwich Village, em Nova Iorque - onde se fez homem - e do compromisso em criar grandes melodias empáticas que lhe pesou sobre os ombros durante os anos 60. Mas o estatuto que lhe permite presentemente esses caprichos não é só musical, é também musicado e ouve-se em todo o álbum "Together Through Life". Bob Dylan está num plano teórico e filosófico superior, que sabiamente PRATICA com a sua super-banda, num modo transgressor que é luxuosamente repetitivo ao longo de cada uma das 10 músicas do longo.

Conciliando um processo profundamente racional/científico com um gozo tremendo em tocar, Dylan volta a dar ao mundo um álbum que não confunde consciência histórica com nostalgia. Tal com o som billy redondo de "Together Through Life", também Dylan não pára em tempo nenhum. (Columbia, 2009)

Artigo publicado no site Cotonete.

EXCITAÇÃO DA SEMANA: BONNIE “PRINCE” BILLY, «BEWARE»

2009-04-25T14:47:00.001+01:00

Não é uma excitação semanal porque já o ando a ouvir há muito tempo. Não tem parado de crescer nos meus ouvidos, numa mobilidade que ainda não me permitiu pousio para encontrar as palavras certas que descrevam aquilo que sinto. OK, estou quase a desistir...
Mas desconfio que algo de bom lhe tenha acontecido que o tenha levado a fazer o primeiro álbum optimista da sua carreira (estou também a incluir os Palace). Pelo menos, já não é aquela alma resignada que lhe conhecíamos.
Muito bonito outra vez, nisso não mudou. (Drag City, 2009)

EXCITAÇÃO DA ÚLTIMA QUINZENA: DAN AUERBACH, "KEEP IT HID"

2009-04-19T09:52:00.003+01:00

Na estreia a solo, Dan Auerbach reduziu a quota do rock e aumentou a do blues e do folk. É quase um 'one man's band'. Quando comparado com os feitos dos Black Keys, "Keep It Hid" é um filme mais barato, mais arcaico, mais espontâneo, mais livre, que podia ser feito em cima do joelho.
O som é sujo, a voz distorcida, os coros sobressaltados (feitos pelo próprio) e a alma colérica. Raramente Auerbach acalma os cavalos... Um dos melhores álbuns do ano até ao momento. (Nonesuch, 2009)

Pode ler aqui artigo desenvolvido no Cotonete.

DICAS PARA UM VIZINHO

2009-04-14T23:05:00.002+01:00

Alguém pode ajudar o meu caro amigo e vizinho bloguista António Pires, dono do estimadíssimo Raízes e Antenas, neste assunto?

AS MELHORES OBRAS DE SEMPRE EM DVD

2009-04-10T15:27:00.000+01:00

Assim ficou a contagem...

1º Vários - Woodstock
2º Bob Dylan - No Direction Home
3º Rolling Stones - Gimme Shelter
4º David Bowie - Best of Bowie
5º Miles Davis Quintet - European Tour 1967
6º Depeche Mode – 101
7º Vários - Monterey Pop
8º Talking Heads - Stop Making Sense
9º The Beatles - The Beatles Anthology
10º Neil Young - Neil Young: Heart of Gold

11º Bob Dylan – Don’t Look Back
12º Daniel Johnston - The Devil and Daniel Johnston
13º Elvis Presley - '68 Comeback Special
14º David Bowie - Ziggy Stardust and the Spiders from Mars
15º Dandy Warhols vs. The Brian Jonestown Massacre – Dig!
16º Vários - Respect Yourself: The Stax Records Story
17º The Doors - The Doors Collection
18º Bob Marley & The Wailers - Live at the Rainbow
19º Vários - Festival!
20º R.E.M. - Tour Film Live

21º Vários - Live Aid
22º Sex Pistols - The Filth and the Fury
23º The White Stripes - Under Blackpool Lights
24º Abba - Abba: The Movie
25º Johnny Cash - The Johnny Cash Show: The Best of Johnny Cash 1969-1971
26º Marvin Gaye - The Real Thing In Performance 1964-1981
27º Thelonious Monk - Straight No Chaser
28º Neil Young and Crazy Horse - Rust Never Sleeps
29º Led Zeppelin – DVD
30º John Coltrane - Live in '60, '61 & '65

31º Björk - Greatest Hits - Volumen 1993-2003
32º Otis Redding - Dreams to Remember
33º Pixies - Pixies
34º Elvis Presley - The Ed Sullivan Shows
35º Beastie Boys – Video Anthology
36º AC/DC - Family Jewels
37º Paul Simon - Graceland - The African Concert
38º Rolling Stones - One Plus One
39º Depeche Mode - Videos 1986-1998
40º Ike & Tina Turner - Live in '71

41º Vários - Ed Sullivan's Rock 'N' Roll Classics - The British Invasion
42º Vários – Buena Vista Social Club
43º Vários - Message to Love: The Isle of Wight Festival
44º Ramones - End Of The Century
45º Pink Floyd - Live at Pompeii
46º Mahalia Jackson - Mahalia Jackson
47º Vinícius de Moraes - Vinícius
48º The Supremes - Reflections: The Definitive Performances 1964-1969
49º Charles Mingus - Live in '64
50º Marc Bolan And T Rex - Born To Boogie

51º Jeff Buckley - Live in Chicago
52º U2 - Zoo TV, Live From Sydney
53º Vários - American Folk-Blues Festival: The British Tours 1963-1966
54º Iggy Pop - Iggy in Paris
55º Nina Simone - Live At Montreux 1976
56º Roy Orbison - Black And White Night
57º Madonna - The Girlie Show - Live Down Under
58º Vários - Glastonbury
59º Nirvana - Unplugged In New York
60º The Flaming Lips - The Fearless Freaks

61º The Police - Everyone Stares: The Police Inside Out
62º Vários - Festival Express
63º Portishead - PNYC - Live At The Roseland Theatre
64º Sigur Ros - Heima
65º Peter Gabriel - Secret World - Live
66º Serge Gainsbourg - D'Autres Nouvelles des Étoiles
67º Prince - Sign 'O' The Times
68º Marisa Monte - Memórias, Crônicas e Declarações de Amor
69º Devo - Live 1980
70º The Smashing Pumpkins - Vieuphoria

71º The Velvet Underground - Velvet Redux: Live MCMXCIII
72º Simon & Garfunkel - The Concert in Central Park
73º Dead Boys - Live! At CBGB OMFUG:1977
74º The Who - Amazing Journey: The Story of the Who
75º The Cramps - Live at Napa State Mental Hospital
76º Siouxsie And The Banshees - Nocturne
77º The Doors - Soundstage Performances
78º Queen - Live At Wembley Stadium
79º Vários - The Concert for Bangladesh
80º Gorillaz – Demon Days Live at Manchester

81º Ella Fitzgerald - Live in '57 and '63 (Jazz Icons)
82º Bob Dylan – The Other Side of the Mirror
83º Duran Duran - Greatest - The DVD
84º James Brown - Live at Chastain Park
85º The Wire – Scottish Play: 2004
86º Dead Kennedys - The Early Years Live
87º Nick Cave & The Bad Seeds – The Videos
88º Curtis Mayfield - Live at Ronnie Scott's
89º The Clash - Westway to the World
90º Duke Ellington - Jazz Icons: Duke Ellington Live in '58

91º Wu-Tang Clan - The Legend of the Wu-Tang - The Videos
92º Stevie Wonder - Live In Japan, 1982
93º Van Morrison - Live at Montreux 1980 and 1974
94º Dizzie Gillespie - Jazz Icons: Live in '58 & '70
95º Fela Kuti - Music Is the Weapon
96º Neil Young & Crazy Horse - Year of the Horse
97º Dead Can Dance - Toward The Within
98º Miles Davis – Miles Electric: a Different Kind of Blue
99º PJ Harvey - On Tour - Please Leave Quietly
100º Minor Threat - DC Space / Buff Hall / 9:30 Club

AS MELHORES OBRAS DE SEMPRE EM DVD

2009-04-09T23:05:00.004+01:00

Lista em contagem decrescente, inspirada num trabalho de selecção dos 50 melhores DVDs de música para votação que decorreu no Cotonete.
1º Vários - Woodstock
Documentário de Michael Wadleigh sobre o festival de Woodstock.

PS - Lista pessoal elaborada no dia 20 de Abril de 2008, que inclui DVDs não formatados para a Região Europeia e exclui obras de ficção (exemplos: ‘biopics' ou musicais).

EXCITAÇÃO DA SEMANA: «DARK WAS THE NIGHT»

2009-04-04T23:46:00.003+01:00

O mais recente disco da Red Hot Organization, Dark Was the Night, é um levantamento dos estados gerais da música indie que responde às suas tendências actuais: a onda neo-folk, ou as correntes geográficas de Brooklyn (Nova Iorque) e do Canadá.

Três destaques (entre três dezenas de temas muito bons): seguindo os ensinamentos da ciência de ritmos dos Talking Heads, os também nova-iorquinos Yeasayer fazem de 'Tightrope' um ziguezague de rock atmosférico interessantíssimo; os National deixam uma das melhores prendas à compilação com a pop elegante de 'So Far Around the Bend', filha do casamento entre Joy Division e Tindersticks em que vive tão bem a banda; Bon Iver volta a provar que o seu álbum de estreia For Emma, Forever Ago não foi apenas um hype, através de mais uma admirável composição sua, 'Brackett, WI', que prova que os falsetes são também para homens de barba rija. (4AD, 2009)

Pode ler aqui artigo desenvolvido para o Cotonete.

AS MELHORES OBRAS DE SEMPRE EM DVD

2009-04-03T21:08:00.002+01:00

Lista em contagem decrescente, inspirada num trabalho de selecção dos 50 melhores DVDs de música para votação que decorreu no Cotonete.
2º Bob Dylan - No Direction Home
Documentário de Martin Scorsese sobre os anos mais mediáticos de Bob Dylan, entre 1961 e 1966.

PS - Lista pessoal elaborada no dia 20 de Abril de 2008, que inclui DVDs não formatados para a Região Europeia e exclui obras de ficção (exemplos: ‘biopics' ou musicais).

NO MEU CINEMA: “GRAN TORINO” de CLINT EASTWOOD

2009-03-31T21:02:00.001+01:00

Ainda estou a digerir a desilusão do último filme de Clint Eastwood. Do mais previsível que alguma vez vi, personagens incluídas.

AS MELHORES OBRAS DE SEMPRE EM DVD

2009-03-28T14:53:00.002Z

Lista em contagem decrescente, inspirada num trabalho de selecção dos 50 melhores DVDs de música para votação que decorreu no Cotonete.
3º Rolling Stones - Gimme Shelter
Documentário de Albert and David Maysles sobre o trágico Festival de Altamont, em 1969.

PS - Lista pessoal elaborada no dia 20 de Abril de 2008, que inclui DVDs não formatados para a Região Europeia e exclui obras de ficção (exemplos: ‘biopics' ou musicais).

EXCITAÇÃO DA SEMANA: PHOSPHORESCENT, «SONGS TO WILLIE»

2009-03-25T10:12:00.004Z

O movimento de embelezamento do country, na sua forma alternativa, continua por parte de uma vaga nascida na década de 70, a que pertence também Phosphorescent, o projecto individual de Matthew Houck.
Songs to Willie é uma declaração deliciosa de amor de Houck à música de Willie Nelson, com 11 versões de canções popularizadas por este mestre. Mas a delicadeza da obra que merece esta honraria está aos modos desse génio dos nossos tempos chamado Will Oldham (ou, se preferirem, Bonnie Prince Billy). Um portento. (Dead Oceans, 2009)
PS - Quando me preparava para escrever esta excitação, descobri um dado inevitável dos tempos que correm: sim, Matthew Houck, nascido em Athens (a cidade de Georgia de onde vêm os R.E.M. e os B-52’s) também vive em Brooklyn (Nova Iorque), cada vez mais a Greenwich Village do século XXI. Não creio em bruxas, mas lá que elas existem, existem.

AS MELHORES OBRAS DE SEMPRE EM DVD

2009-03-21T15:02:00.003Z

Lista em contagem decrescente, inspirada num trabalho de selecção dos 50 melhores DVDs de música para votação que decorreu no Cotonete.
4º David Bowie - Best of Bowie
Compilação, de 2002, que reúne todos os videoclips de David Bowie.

PS - Lista pessoal elaborada no dia 20 de Abril de 2008, que inclui DVDs não formatados para a Região Europeia e exclui obras de ficção (exemplos: ‘biopics' ou musicais).

BRASIL FATAL: CÁSSIA ELLER (1962-2001)

2009-03-19T11:24:00.001Z

A INFLUÊNCIA

Cássia Eller foi um dos grandes ícones femininos do rock brasileiro. Graças à sua voz grave poderosa, fez a diferença como uma intérprete que deu nova vida a composições de ídolos brasileiros como Cazuza (sobretudo Cazuza), Caetano Veloso, Mutantes, Renato Russo (da Legião Urbana) e Chico Buarque. Mas também de ícones do rock mundial como os Beatles ou Jimi Hendrix.

Carioca (do Rio de Janeiro, portanto), mas de residência itinerante por vários pontos do Brasil ao longo da sua vida, foi na capital Brasília que se revelou, numa carreira musical que, de 1990 (quando o álbum de estreia, homónimo, foi lançado) até ao auge, em 2001, progrediu sempre em crescendo.

Tocadora de violão (baixista pontual), Cássia Eller era uma rocker de inspiração blues que fazia algumas tangentes ao MPB (Música Popular Brasileira). A sua interpretação mais conhecida continua a ser ‘Malandragem’, composta pela dupla Cazuza e Roberto Frejat (que fez maravilhas nos Barão Vermelho), que Ângela Ro Ro recusou antes interpretar. ‘O Segundo Sol’ de Nando Reis (que brilhou nos Titãs) foi outro êxito que se deu bem com o airplay radiofónico e, sobretudo, com o seu público. Outra das interpretação mais populares era ‘Por Enquanto’ (composição de Renato Russo) - na realidade, foi esse o seu primeiro grande êxito.

Em vida, lançou cinco álbuns de estúdio e três ao vivo. “Cássia Eller Acústico”, gravado para a MTV Brasil, foi o álbum mais vendido de sempre, que teve como arranjador Nando Reis.

Eller esteve em grande no Rock in Rio, em 2001, com um enorme à-vontade (e até exibiu os seus seios num acto irreverente à rock & roll mas nunca sensacionalista), numa actuação vespertina que teve como consagração a sua famosa versão de ‘Smells Like Teen Spirit’ dos Nirvana (que o antigo baterista Dave Grohl elogiava).

Mulher brava - chegou a ser assistente de pedreiro - e lésbica assumida, familiarizou os seus admiradores com o seu ar masculino, braços tatuados e cabelo curto (às vezes rapado, às vezes até com crista punk). Está imortalizada como uma das maiores cantoras do Brasil.

A MORTE

A sua faceta mais negra incluía grandes problemas com álcool e drogas. Em 2000, Cássia Eller concluiu uma cura de desintoxicação que durou dois anos. Segundo os relatos da cantora, sentia-se limpa de drogas em 2001.

Mas nesse ano, surge outro problema que o seu sucesso acarretaria: o excesso de trabalho. O ano de 2001, em que actuou no Rock in Rio, estava a ser particularmente desgastante para a cantora. Só nos últimos 7 meses Cássia Eller tinha dado 92 concertos. No Natal que passa com a família em Brasília, Cássia Eller dá sinais de um estado emocional alterado. No dia seguinte, num ataque intempestivo, parte uma porta de vidro que lhe provoca ferimentos na testa (com hematoma) e nas coxas, que permanecem visíveis quando se desloca ao Rio de Janeiro para preparar o concerto do Reveillon naquela cidade.

No dia 28, o ensaio com a sua banda decorre num clima de “cortar à faca”, por causa do mau humor da cantora. Quando a percussionista Elaine Moreira (Lan Lan) a leva a casa de carro, percebe que a cantora não está bem. Mas Cássia Eller prefere passar a noite sozinha no seu apartamento.

Na manhã de 29 de Dezembro, Cássia Eller sente-se mal, queixando-se de enjoos. Telefona a Lan Lan de uma cabine telefónica. A percussionista vem em seu socorro, com mais duas amigas comuns. Segue-se um passeio mas Cássia Eller aumentou as suas queixas, chorando de dores. Chegou a vomitar. Deslocam-se ao hospital.

Por falta de vaga no Centro de Tratamento Intensivo, é internada às 13h00 na clínica Santa Maria, no Rio de Janeiro. Assustada com o número de pessoas que se aglomeravam na clínica, Cássia Eller desesperou e fugiu para o carro minutos antes. O director da clínica, Gedalias Heringer Filho, informa depois a imprensa que Cássia Eller chegou ao centro de saúde “com quadro de desorientação e agitação, tendo evoluído rapidamente para depressão respiratória e parada cardiorrespiratória” (citando o Folha de S. Paulo).

Cássia Eller sofre três paragens cardíacas na clínica. Tenta-se reanimar o corpo. Mas às 18 horas, o seu estado de saúde agrava-se consideravelmente. Às 19h05, é declarado o óbito.

O relatório médico apontou a overdose de drogas como causa da morte. Mas a origem da morte que ganhou mais consistência foi a de stress. As causas do falecimento levantaram tantas suspeitas quanto a assistência médica (desconfiou-se de discriminação no atendimento à cantora durante todo o período de aflição que antecedeu o internamento).

Cássia Eller deixou órfão um filho de oito anos, que ficou aos cuidados da sua companheira amorosa Maria Eugénia Vieira. Chicão, como a mãe Cássia lhe tratava, já tinha perdido o pai,o baixista Otávio Fialho, num acidente de viação, dias antes do seu nascimento.

Postumamente, foi editado o álbum “Dez de Dezembro”. Cássia Eller tinha 39 anos.

Último texto do especial Brasil Fatal, publicado no Cotonete.

AS MELHORES OBRAS DE SEMPRE EM DVD

2009-03-17T16:00:00.004Z

Lista em contagem decrescente, inspirada num trabalho de selecção dos 50 melhores DVDs de música para votação que decorreu no Cotonete.
5º Miles Davis Quintet - European Tour 1967
Registo filmado de duas actuações do trompetista na Suécia e Alemanha.

PS - Lista pessoal elaborada no dia 20 de Abril de 2008, que inclui DVDs não formatados para a Região Europeia e exclui obras de ficção (exemplos: ‘biopics' ou musicais).

BRASIL FATAL: CHICO SCIENCE (1966-1997)

2009-03-14T15:48:00.001Z

A INFLUÊNCIA

Durante a sua curta exposição pública, Chico Science conseguiu ser o músico brasileiro mais revolucionário dos anos 90. Com o apoio da sua banda, a Nação Zumbi, Chico Science foi a maior lenda de um género novo: o mangue beat, um híbrido muito brasileiro e contemporâneo dos ritmos nordestinos do coco de roda e do maracatu com estilos mais globalizados como o rock, o funk, a electrónica e o hip hop.

Baptizado como Francisco de Assis França, ficou com o nome de Chico Science por causa de alcunhas locais como “cientista dos ritmos” - mimo dos seus companheiros de rua da sua cidade-natal de Olinda, do estado nordestino do Pernambuco.

Chico Science tinha mente politizada de contra-poder e curiosidade de historiador. Era o antropólogo brasileiro no músico, o musicólogo no artista. Defensor da cultura de miscigenação e da emancipação dos negros no Brasil, Chico Science passou muito bem da teoria à prática dando voz de rapper àquele choque de percussão pernambucana do maracatu com o groove funk de guitarras ametaladas. Como se Gilberto Gil, um grupo folclórico de maracatu e os Red Hot Chili Peppers de repente se cruzassem na cabeça de Chico Science. Eis o mangue beat no seu esplendor, como se fosse um derivado mulato e cosmopolita do afrobeat mitificado por Fela Kuti.

Em vida, Chico Science & Nação Zumbi lançaram dois álbuns "Da Lama ao Caos" e o mais electrónico "Afrociberdelia" que, além dos efeitos internos no Brasil, garantiram uma projecção internacional interessante. Science e a sua banda tiveram ainda tempo para algumas digressões internacionais: passaram pela Europa, e actuaram num Central Park bem composto, em Nova Iorque.

Na memória, fica a imagem de um homem enérgico em palco, com aquele ar folião de roupas carnavalescas, óculos escuros e panamá, que mexeu com a música brasileira.

A MORTE

Em 1997, Chico Science estava em grande. A ideia seguinte que tinha em mente era a de tentar buscar referências eruditas. Mas, no dia 2 de Fevereiro, quando conduzia o seu carro na estrada que ligava as cidades do Recife com Olinda, embate num poste do lado oposto ao do volante. Chico Science, que ia sozinho na viatura, morre no acidente.

O Brasil musical mais atento às vanguardas chorou a sua morte. O choque ultrapassou fronteiras: em Portugal, o radialista Henrique Amaro (da estação pública Antena 3), mais atento às novas tendências da música brasileira e admirador de Chico Science, não se cansou de destacar a tragédia desta perca. Ninguém podia estar preparado para uma obra tão abruptamente interrompida, com tantas ideias que ficaram por dar.
Dez anos depois do acidente, a família recebeu da Fiat uma indemnização, numa soma record nacional para situações de danos físicos em automóveis, num valor que não é público, pelo facto do cinto do Uno Mille que Chico Science conduzia ter rompido no momento do embate. Metade do dinheiro foi para a filha de 16 anos (em 2007), Tainã, outra metade para os pais.

A Nação Zumbi continuou e Jorge dü Peixe assumiu as vocalizações principais. O grupo chegou a actuar em Portugal, num festival na Praça Sony, em Lisboa, no ano de 2000.

Em homenagem a Chico Science, foi instalada uma escultura de um caranguejo (símbolo do riquíssimo ecossistema tropical dos manguezais, em Pernambuco) nas margens do rio da cidade de Recife, que ficaria conhecida como Manguetown.

Texto que faz parte do especial Brasil Fatal, publicado no Cotonete.

AS MELHORES OBRAS DE SEMPRE EM DVD

2009-03-12T17:05:00.005Z

Lista em contagem decrescente, inspirada num trabalho de selecção dos 50 melhores DVDs de música para votação que decorreu no Cotonete.
6º Depeche Mode – 101
Documentário de DA Pennebaker sobre a grande digressão americana dos Depeche Mode em 1988.

Depeche Mode - Everything counts live
Enviado por val6210

[1988] DEPECHE MODE 101 Never Let Me Down Again
Enviado por fandepechemode83

PS - Lista pessoal elaborada no dia 20 de Abril de 2008, que inclui DVDs não formatados para a Região Europeia e exclui obras de ficção (exemplos: ‘biopics' ou musicais).

BRASIL FATAL: RENATO RUSSO (1960-1996)

2009-03-10T15:07:00.003Z

A INFLUÊNCIA

Renato Russo é, indiscutivelmente, um dos maiores ícones da história do rock brasileiro. Liderou carismaticamente os Legião Urbana (entre 1982 e 1996), que se tornaram uma das grandes bandas da sua geração, a par dos Titãs, dos Paralamas do Sucesso e dos Barão Vermelho.

Os Legião Urbana, sediados na capital Brasília, expunham um som enigmático e mais anglófilo, muito marcado pelo cinzentismo das bandas de Manchester, como os Joy Division e os Smiths. Mas o selo do grupo era brasileiro, graças ao enquadramento da mensagem politico-social corrosiva de Renato Russo, que não poupava os tabus do seu país.

Russo era inigualável e único em palco, com danças bizarras, ondulação dos braços frequente e uma atitude espontânea e impulsiva. Apesar da timidez, tinha uma empatia com o público arrebatadora e genuína.
A sua aparição pública coincide com o nascimento da democracia no Brasil - 1985 -, e o primeiro álbum, de título homónimo, tem logo grande impacto, sobretudo junto da crítica e dos músicos. Foram o direito ao contraditório que a ditadura militar anterior precisava de ouvir antes, e, através das letras geniais de Renato Russo, foram porta-vozes contra a corrupção que o público aclamou. A adesão popular à banda foi transitando de fenómeno de culto a ídolos de massas, ou para aquilo que se convencionou como Religião Urbana (termo que Russo reprovava).

Todos os álbuns seguintes foram êxitos de vendas. “Dois” (de 1986) levantou muito a fasquia, mas “As Quatro Estações” (de 1989) foi o álbum que mais vendeu e expôs o grupo à rádio. A discografia dos anos 90 é ainda mais melancólica, e para os fãs mais acérrimos, “V” (de 1991) é defendido como a obra-prima do grupo.
Houve outros dados importantes. Alguns concertos em Brasília são marcados pela violência, com alguns motins de alguma gravidade. Uma jovem chega a morrer num desses distúrbios, num concerto em 1986, tocado para 50 mil pessoas - a tragédia revoltou profundamente Renato Russo.

A bissexualidade do cantor foi assumida publicamente desde 1988. E algumas canções, como ‘Meninos e Meninas’, deixam isso bem explícito.

O reportório de Renato Russo está espalhado por sete álbuns de originais dos Legião Urbana, que lhes garantiram mais de vinte milhões cópias vendidas em todo o Brasil, e por vários álbuns a solo. O número de hinos que qualquer brasileiro com menos de 50 anos reconhece, é impressionante: ‘Faroeste Caboclo’, ‘Eduardo e Mônica’, ‘Perfeição’, ‘Índios’, e ‘Será’, entre muitos, muitos outros.

A MORTE

Em 1989, Renato Russo aceita internar-se para recuperar o seu problema de alcoolismo. E é nessa estada de hospital que recebe a notícia terrível de que é seropositivo.

Tal facto, além do seu grave problema de toxicodependência, contribui para uma década de 90 com novas composições mais pessimistas e sombrias. Seguem-se depressões e tendências para o suicídio.

Os últimos três anos de vida de Renato Russo são marcados por uma produção estonteante, dividida entra a carreira a solo e a Legião Urbana: uma vontade nova de querer viver o máximo possível.

"A Tempestade ou O Livro dos Dias", dos Legião Urbana, é gravado no primeiro semestre de 1996 com a disposição de um álbum de despedida. Renato Russo faz as gravações num só take, numa fase já muito anti-social e amargurada. Em Julho, o pai, Renato Manfredini, funcionário do Banco do Brasil, muda-se para o apartamento do filho, no bairro de Ipanema (Rio de Janeiro), para acompanhar o debilitado estado de saúde de Russo.

Os músicos dos Legião Urbana, sem saberem muito bem o que se estava a passar, vão perguntando por Renato, obtendo respostas confusas. O guitarrista Dado Villa-Lobos e outro amigo comum decidem então ir a casa do cantor. E vêem que ele não está nada bem.

Renato Russo morre no dia 11 de Outubro de 1996, 21 dias depois da publicação do álbum dos Legião Urbana, "A Tempestade". Os músicos restantes do grupo, Dado e o baterista Marcelo Bonfá, anunciam à imprensa o fim do grupo. No ano seguinte, aproveitando as sobras da grande quantidade de músicas que Renato Russo compôs nos últimos anos, é editado o álbum póstumo dos Legião Urbana, ‘Uma Outra Estação’. Renato Russo tinha 36 anos de idade.

Texto que integra o especial Brasil Fatal, publicado no Cotonete.

AS MELHORES OBRAS DE SEMPRE EM DVD

2009-03-09T21:12:00.004Z

Lista em contagem decrescente, inspirada num trabalho de selecção dos 50 melhores DVDs de música para votação que decorreu no Cotonete.
7º Vários - Monterey Pop
Documentário de DA Pennebaker sobre o festival Monterey Pop, em 1967.

Jimi hendrix MOnterey Pop Festival 1967
Enviado por moriganne

Otis Redding - I've been loving you
Enviado por peakers

PS - Lista pessoal elaborada no dia 20 de Abril de 2008, que inclui DVDs não formatados para a Região Europeia e exclui obras de ficção (exemplos: ‘biopics' ou musicais).

BASKERY, «FALL AMONG THIEVES»

2009-03-07T16:13:00.003Z

A Suécia é uma nação apátrida no melhor dos sentidos. Exporta bandas que passam por brit-pop ou por hard-rock americanizado, ou seja o que for, com um resultado genuíno que ignora a origem viking. Que o digam as meninas Baskery, autoras de um bluegrass com perfume de mulher que lembra muito a das canadianas Be Good Tanyas, num corpo folk americaníssimo mas com passaporte sueco.
Banjos e harmónicas também podem conviver no mundo de batons e bonecas, é o que nos diz a bela colheita de 12 canções, Fall Among Thieves, destas três irmãs escandinavas. Trata-se de uma das melhores estreias dos últimos 12 meses. (Glitterhouse, 2008)

BRASIL FATAL: CAZUZA (1958-1990)

2009-03-06T21:13:00.002Z

A INFLUÊNCIA
“Melhor 10 anos a mil à hora do que mil anos a 10 à hora”, Cazuza disse-o. E foi assim que o cantor viveu.
Cazuza, pelo trabalho nos Barão Vermelho e a solo, foi tido como “o maior poeta da sua geração”... Uma geração de admiradores do rock & roll anglo-saxónico e do tropicalismo que, no início dos anos 80, tinha vontade de mudar as coisas num Brasil amarrado a uma ditadura militar.

Enquanto vocalista e letrista, formou com o guitarrista e amigo Roberto Frejat uma das duplas mais históricas da música do país, núcleo central daquele foi para muitos o combo mais perfeito do rock brasileiro, com o teclista Maurício Barros, o baixista Dé e o baterista Guto Goffi nas fileiras da primeira formação dos Barão Vermelho (que durou até 1985).

Em 1981, quando os Barão Vermelho estavam a realizar os primeiros ensaios, faltava ainda um vocalista. Roberto Frejat e companhia escolheram Léo Jaime para o posto que, depois de ver Cazuza a actuar num grupo teatral, preteriu a proposta. Sugeriu Cazuza, claro. E tinha toda a razão.

Quando os Barão Vermelho viram em Cazuza não só um fantástico performer, mas também um sobredotado letrista, não hesitaram. A banda deixava imediatamente o formato das covers, e passava a tocar composições originais. E iniciava-se uma das mais fascinantes aventuras no rock brasileiro, com Cazuza e Frejat ao leme do Barão Vermelho.

BARÃO VERMELHO - Bete Balanço - Clipe
Enviado por videoaddiction

Roberto Frejat e restantes músicos tinham a estrutura, e o animal de palco efusivo Cazuza possuía a fúria de viver típica do seu grande ídolo James Dean. A combinação de blues com hard-rock dos Barão Vermelho era singularizada pelo espírito solto e optimista de Cazuza. Caetano Veloso, sempre com o radar ligado, não calou a sua revolta ao ver a qualidade de uma banda como os Barão Vermelho a ser ostracizada pelas rádios. Mas as coisas mudariam...

Barão Verm - Pro dia nascer feliz 02
Enviado por videoaddiction

No dia 15 de Janeiro de 1985, quando o sol da democracia iluminava de alegria o Brasil com a eleição de Tancredo Neves, os Barão Vermelho e Cazuza tiveram uma das suas maiores jornadas de glória no Rock in Rio quando se tornaram na primeira banda nacional a “pegar de caras” um público metaleiro com outros humores.

Pouco tempo depois, Cazuza deixa os Barão Vermelho com um legado de três álbuns de referência - “Barão Vermelho” (de 1982), “Barão Vermelho 2” (de 1983) e “Maior Abandonado” (de 1984) - e um reportório invejável composto por hinos como ‘Codinome Beija Flor’, ‘Pro Dia Nascer Feliz’ ou ‘Bete Balanço’. A carreira a solo corre-lhe ainda melhor, sobretudo em termos de reconhecimento do público e de vendas, através dos álbuns “Exagerado” (de 1986) e, sobretudo, “Independência” (de 1988). Também para a memória do público fica o dueto com Gal Costa em ‘Brasil’ (tema principal da telenovela” Vale Tudo”, também exibido em Portugal no final dos anos 80, no horário de maior audiência, que no genérico é só interpretado por Gal).

A MORTE

Eram muito grandes as semelhanças faciais de Cazuza com o actor de novelas brasileiro Lauro Corona (que pudémos ver em Portugal, em meados dos anos 80, em telenovelas como “Corpo a Corpo”, no horário nobre de jantar, ou “Vereda Tropical”, à hora de almoço), que, curiosamente, morreu com a mesma idade, 32 anos, com a mesma causa de morte, sida.

Mas o ar saudável do músico tinha os anos contados desde os dias em que, em 1985, teve uma febre alta. O diagnóstico decretava uma infecção bacteriana. Cazuza não perdeu tempo e pediu para fazer o então impreciso teste do HIV que deu negativo. Mas três anos depois deu positivo. Assim que soube, Cazuza convocou uma conferência de imprensa a dar a notícia, iniciando um bravo combate contra o preconceito da doença no Brasil que se tornou exemplar.

Aquando do sucesso do período de “Independência”, em 1988-89, Cazuza não tem pudores em exibir o seu rosto e corpo magros e transfigurados. A doença estava espelhada na cara, a decadência física era evidente e Cazuza já não conseguia ser o vivaço de palco de outrora.

A degradação física de Cazuza continua, e já 1989 ia avançado quando o cantor faz alguma aparições públicas de cadeira de rodas e de lenço na cabeça. Mesmo assim, ao seu estilo, mantém a sua elevada capacidade de trabalho e grava com a voz muito debilitada o álbum “Burguesia”, conjunto de canções que fazem um testemunho impressionante e revoltado sobre “o trem da morte que se aproxima” (citando a canção ‘Cobaia de Deus’).

Cazuza subumbe à doença no dia 7 de Julho de 1990, no apartamento dos pais, no Rio de Janeiro, onde vivia há três meses desde que tinha regressado de mais um tratamento nos Estados Unidos. Eram 7 da manhã, estava o cantor ainda a dormir. O pai, o produtor musical João Araújo, confirma à imprensa, no prédio de sua casa, a notícia. A família, amigos e muitos fãs imediatamente acorrem à capela onde está o corpo.

Os ex-companheiros dos Barão Vermelho carregam o caixão no dia de enterro. Cazuza é sepultado no Cemitério João Batista, no Rio de Janeiro, muito próximo de outras lendas musicais como Carmen Miranda e Ary Barroso.
Texto que faz parte do especial Brasil Fatal, publicado no Cotonete.

AS MELHORES OBRAS DE SEMPRE EM DVD

2009-03-03T23:28:00.003Z

Lista em contagem decrescente, inspirada num trabalho de selecção dos 50 melhores DVDs de música para votação que decorreu no Cotonete.
8º Talking Heads - Stop Making Sense
Filme-concerto de Jonathan Demme sobre os Talking Heads em 1983.

PS - Lista pessoal elaborada no dia 20 de Abril de 2008, que inclui DVDs não formatados para a Região Europeia e exclui obras de ficção (exemplos: ‘biopics' ou musicais).

U2 – NO LINE ON THE HORIZON

2009-03-01T22:51:00.003Z

O início eufórico de No Line on the Horizon origina um prognóstico falso sobre o álbum. O primeiro vaticínio é (erradamente) tão optimista quanto o rock clássico dos U2 que brilha nas primeiras quatro faixas (das onze) do novo longo, o 12º da banda.

A entrada é forte e os U2 mostram-nos logo o seu melhor no tema-título que abre o álbum: odisseia rock soalheira, de decoração ambiental trabalhada, que nada deve a semelhantes como 'Where The Streets Have No Name' (a faixa de abertura do bem sucedido Joshua Tree).

As faixas seguintes têm também tudo para cair no goto da numerosa legião de fãs. 'Magnificent', 'Moment of Surrender' e, sobretudo, 'Unknown Caller' consagram o melhor que os U2 têm: o heróico Bono ao leme de coros efusivos, o tricot eléctrico elaborado por The Edge, a energia juvenil de reguila na bateria de Larry Mullen Jr e a sábia discrição de Adam Clayton no baixo. A química de quarteto está efervescente nessas três canções.

'Magnificent', 'Moment of Surrender' e 'Unknown Caller' confirmam os rumores que apontavam No Line on the Horizon como uma aproximação ao álbum Achtung Baby. Na verdade, "No Line on the Horizon" concentra esforços numa das mais célebres canções da obra-prima de 1991: 'Misterious Ways' que foi, na altura, o ponto de encontro entre a linha tradicional do grupo e a novidade tecnológica. Este novo álbum é um conjunto de variações de 'Misterious Ways' que recupera os aromas arábicos do tema, ora em tons mais aguerridos, ora em marcha mais suave. O arsenal tecnológico de The Edge, os gritos de Bono no deserto e as canções soalheiras moldam, com poucas excepções, No Line on the Horizon.

No fundo, No Line on the Horizon confirma aquela que tem sido a disposição do grupo ao longo da década: o presente às ordens do passado e não à procura de um novo futuro. Só muda o álbum recordado: este último é um filtro mais acomodado de Achtung Baby.

Outro dado revelado pelas faixas subsequentes é o deste não ser ainda o álbum de renascimento de forma dos U2 à antiga. Quanto muito, os U2 saem do coma criativo profundo e agora dão sinais de recuperação. As primeiras quatro músicas foram só falso alarme de algo bem melhor.

O que se seguem são bonecos em cera desgarrados a imitar os U2 gloriosos. Por vezes, chegam a soar mais aos seus descendentes - como os Killers ou os Coldplay - do que à excelência dos próprios. 'Fez - Being Born', a derivação mais comprida de 'Misterious Ways', é das uma viagens sensoriais mais exigentes do disco, ao alcance banal, porém, das bandas citadas que influenciaram.

Noutros exercícios, 'White as Know' é balada contemplativa cinematográfica, de impacto bem mais modesto que um tema-primo seu como 'All I Want Is You' (a canção de encerramento de Rattle & Hum). E a faixa última 'Cedars of Lebanon' podia estar no álbum mais meditativo que os U2 prometem para o final do ano, lembrando a canção os ensaios abstractos dos Passengers (o quinteto que unia Brian Eno aos U2).

Ficou por realizar o sonho dos U2 serem produzidos por Rick Rubin (lá voltou o conselho de mesa do costume: Brian Eno, Daniel Lanois e Steve Lillywhite). Mas a banda de Bono não estava para adiar mais a experiência de um rock mais pesado.

A faceta hard-rock aparece no disco com alguma margem. Mas o galope suado retira perfume aos U2. A forma mais pesada é nos U2 um exotismo mas não uma especialidade. E talvez por isso, Get on Your Boots é o menos carismático 1º single de sempre de um álbum de U2. 'Stand Up Comedy' não passa de um sucedâneo do arrojado 'The Fly' (a primeira canção que o mundo conheceu de Achtung Baby). Só quando conseguem domesticar o cavalo selvagem em Breathe é que os U2 brilham a grande altura, com refrões épicos e um violoncelo mandão a aguentar o passo veloz da canção - esse é o melhor momento da segunda metade do álbum.

Mas, ultrapassados alguns empates recentes, este álbum soa a vitória de margem mínima. (Universal, 2009)

Artigo publicado no Cotonete.

EXCITAÇÃO DA SEMANA: AMADOU & MARIAM, «WELCOME TO MALI»

2009-02-28T14:49:00.004Z

O célebre casal de cegos Amadou & Mariam vem da África Ocidental mas representa uma África ocidentalizada. Oriundos do musical Mali, cresceram no circuito africano, trabalhando futuras sortes sem custo de expectativas algumas. Quando um estranho fenómeno de sucesso em França foi ao seu encontro nos anos 80, aquilo que lhes pareceu um acaso, tinha outro nome: talento, a rodos. Mas foi sendo sempre preciso dizer-lhes isso.

Depois foram amadurecendo de praça em praça, incluindo por paragens lusas, num mundo que já parecia perfeito, de música nova ligada às raízes a que designamos como world music. Amadou & Mariam encantavam tudo e todos. Incluindo Manu Chao que ao produzir o álbum da dupla maliana Dimanche à Bamako em 2005, lhes abriu outra porta, para um mundo pop-rock tão grande que não cabia lá só o paraíso. As repercussões tornaram-se incontroláveis e nem a participação na canção oficial do Campeonanto do Mundo de Futebol de 2006 lhes escapou.

Outro dos caprichos da sua fama por que não se matam é ter Damon Albarn a seus pés, mas aceitam-no, e de muito bom grado. Os Amadou & Mariam são levados pelas boas intenções do homem dos Blur para o projecto ao vivo African Express. E agora têm Albarn como produtor de três das 15 faixas do seu último álbum, o belíssimo Welcome to Mali.

No disco, reconhecemos imediatamente aos Amadou & Mariam uma simpatia melódica ao gosto ocidental, com uma capacidade de expansão nos mesmos modos meigos dos conseguidos pelo senegalês Youssou N' Dour, com os tais condimentos africanos a diferenciarem a receita. Mas na faixa de abertura, 'Sabali', onde Damon Albarn mais intervém, o ocidentalismo da dupla chega ao cúmulo de se perfumar com os cheiros da new wave francesa; a canção poderia ter sido feita por um projecto electro-pop gaulês dos anos 80 de disposição mais étnica, ou até pelos Air (imagine-se).

AMADOU & MARIAM NOUVEL ALBUM « WELCOME TO MALI »
Enviado por festivals-rock

Mariam é o membro do casal que se desvia menos do seu continente de origem, com o seu canto harmonioso de sorriso africano colado ao rosto, cantando num dialecto, bambara, que já vem com música na gramática.

Já Amadou e a sua guitarra eléctrica dirigem-se mais aos fãs de blues-rock que descobriram em África uma nova fonte, de ares mais desérticos, que pode não dar água mas que produz sons deslumbrantes em série. Amadou faz-lhes a vontade com picados africaníssimos à Ali Farka Touré e uma rebeldia guerrilha a fazer lembrar os tuaregues Tinariwen.

Por vezes, o híbrido afro-ocidental de Amadou & Mariam é de tal forma grande que chegam a parecer uma convenção mundial de vários géneros: de indie rock, canto africano, blues à Mali, alguma boémia afro-beat e música contemporânea nos enfeites.

Há pequenas contrariedades no disco que o estrelato da dupla acarreta. O esforço poliglota em inglês é uma pequena concessão que empata a empatia (o uso do francês sempre tem um resultado mais poético e natural). E as participações do world rapper K'naan e do panfletário Keziah Jones são notas-de-rodapé que não se conseguem colar ao texto principal.

De resto, ouvimos os Amadou & Mariam num ponto africanamente ingénuo, de imperfeição perfeita, jamais caindo numa sofisticação mortífera. Quase perfeito. (Because Music, 2008)

Amadou et Mariam - Sabali
Enviado por cpourlesparents

Artigo publicado no Cotonete.

AS MELHORES OBRAS DE SEMPRE EM DVD

2009-02-27T08:14:00.002Z

Lista em contagem decrescente, inspirada num trabalho de selecção dos 50 melhores DVDs de música para votação que decorreu no Cotonete.
9º The Beatles - The Beatles Anthology
DVD que parte de uma série televisiva da ITV que conta a história completa dos Beatles.
PS - Lista pessoal elaborada no dia 20 de Abril de 2008, que inclui DVDs não formatados para a Região Europeia e exclui obras de ficção (exemplos: ‘biopics' ou musicais).

ELIS REGINA (1945-1982)

2009-02-25T21:54:00.005Z

A INFLUÊNCIA

Para muitos, Elis Regina era a Voz do Brasil. Cantou as lágrimas e a dor do Brasil. Como mulher guerreira que era, não chorava. Mas fazia chorar.

Chamaram-lhe de Pimentinha, a amiga Rita Lee apelidava-lhe de Elis-cóptero, a história regista-a como a diva das divas do MPB (só Maria Bethânia se lhe comparava).

Cresceu de fenómeno televisivo do concorrido Festival de Música Popular Brasileira (exibido no canal TV Record), nos anos 60, para uma cantora imortalizada pelas interpretações de “Fascinação”, “Águas de Março” ou “O Bebado e A Equilibrista”, num reportório tão rico que deveria proibir apenas estes três destaques.
Atraiu os melhores compositores (António Carlos Jobim ou Edu Lobo) e as melhores composições, que Elis, generosa, retribuiu sempre com a magia da sua garra.

Politicamente incorrecta e sem papas na língua, foi uma combatente contra a ditadura militar que governava o Brasil, incluindo nas entrelinhas, fintando a censura com o sentimento das suas interpretações - a intuição do ouvinte completava a clandestina comunicação.

Vinte anos de carreira musical deram espaço para uma exposição internacional muito interessante. Actuou duas noites seguidas na sala mítica parisiense Olympia, em 1968 - algo até então inédito na música brasileira. Passou por grandes festivais de jazz de renome como o de Montreux. E esteve em Portugal, em 1978. Nas muitas entrevistas que dava à televisão, queixava-se frequentemente do seu 1,53m de altura. Mas em palco, a medição mentia escandalosamente. Não houve ninguém como Elis.

A MORTE

Elis Regina sempre atraiu as luzes da ribalta. Incluindo em Janeiro de 1982. Poucos dias antes da morte, a cantora apareceu no programa Jogo da Verdade, do canal TV Cultura, onde, sem temores e ao seu estilo, respondia em estúdio a todas as questões colocadas pelo moderador e por dois convidados.

Nessa altura, Elis Regina consumia pontualmente cocaína (um hábito no meio artístico), o que acontecia há um ano, desde que viajou para os Estados Unidos afim de acertar os pormenores de uma colaboração com o saxofonista norte-americano Wayne Shorter. O penúltimo namorado de Elis, o músico Guilherme Arantes, recordaria mais tarde que vira a cantora a snifar a perigosa e viciante droga no início de 1981, durante a breve relação.

No dia 18 de Janeiro de 1982, Elis Regina esteve, ao final da tarde, a socializar no seu apartamento de São Paulo com os músicos da sua banda e com o seu namorado de há seis meses, o advogado Samuel Mac Dowell, com quem a cantora procurava uma casa para viverem juntos. Segundo os testemunhos dos presentes, Elis bebeu nesse final de tarde vários copos de Cinzano e de uísque. Os músicos, entretanto, saem às 21 horas, e Elis Regina janta a sós com o seu companheiro. Às 23h30, Mac Dowell larga os aposentos da cantora. Elis fica sozinha para ouvir as gravações do seu próximo disco. Durante a madrugada, o advogado tenta em vão contactar telefonicamente Elis. Só à quinta tentativa, o consegue: a cantora explica-lhe que não ouviu o telefone por causa do volume alto da música. Mac Dowell não estranhou e achou a voz de Elis normal.

Dia seguinte, 19. Dia diferente. O namorado da cantora liga-lhe às 9h30 do seu escritório. O telefonema decorre normalmente. Até que, subitamente, Elis Regina começa a falar muito vagarosamente. Às tantas, pronuncia palavras indecifráveis. A voz Elis Regina afasta-se do telefone. De repente, o silêncio. Samuel Mac Dowell sai disparado do seu emprego e apanha um taxi até ao prédio de Elis. Para chegar ao quarto da cantora, o namorado tem que arrombar duas portas. Elis estava inanimada. Ao lado, estava um envelope vazio do tranquilizante Sonotrat. O stress de Mac Dowell teve como etapas nos minutos seguintes a ambulância que nunca mais chegava, as tentativas de reanimar Elis e o telefonema desesperado ao colega de trabalho mais próximo. Impaciente, Samuel Mac Dowell resolve chamar um táxi e levar Elis pelos braços, seguindo velozmente em direcção ao Hospital das Clínicas. O taxista era um emigrante português, de nome Gouveia, que só se apercebeu que o corpo inanimado que ia no banco de trás era o da cantora quando, mais tarde, ouviu no auto-rádio a triste notícia que chocaria o Brasil inteiro: “Elis Regina morreu”.

As várias autópsias confirmam a overdose de cocaína como causa principal da morte da artista. A droga terá sido ingerida oralmente, numa dose mortal. E a mistura com tranquilizantes e com álcool pode ter sido fatal.
O corpo esteve em câmara ardente no centro do palco do Teatro Bandeirantes, em São Paulo, onde Elis Regina brilhou em vida. As filas de milhares de pessoas para a verem tinham uma extensão absolutamente anormal. Dentro da sala, entoavam-se cânticos de temas popularizados por Elis. E até o Presidente de Estado João Figueiredo (responsável pela transição do país para a democracia) se comoveu publicamente, enviando um telegrama de condolências à família da cantora.

A cobertura televisiva do cortejo fúnebre de Elis Regina até ao Cemitério do Morumbi foi exaustiva, e incluiu filmagens de helicópetro. As rádios paulistas também não pouparam esforços.

Elis Regina morreu com 36 anos de idade, deixando órfãos três filhos de dois casamentos, um dos quais Maria Rita (que na altura contava apenas quatro primaveras), que tem hoje uma carreira internacional bastante reconhecida.

Artigo que faz parte do especial Brasil Fatal, publicado no Cotonete.

EXCITAÇÃO DA SEMANA: JESSICA LEA MAYFIELD, «WITH BLASFEMY SO HEARTFELT»

2009-02-22T22:41:00.002Z

O talento nunca mente, sobretudo quando se faz um álbum deste calibre com a idade de 19 anos: Jessica Lea Mayfield é a grande revelação country-pop dos últimos anos. O seu primeiro álbum, editado há meses nos Estados Unidos, está agora a chegar à Europa.

Os argumentos de With Blasphemy So Heartfelt pesam. Em 12 canções, Jessica Lea Mayfield revela-se cantautora de corpo (acústico) inteiro. Mia docilmente como Hope Sandoval, a ex-vocalista dos Mazzy Star. E tem na voz a candura maternal de uma Mirah ou de uma Laura Veirs - comparemo-la portanto a algumas das melhores singer-songwriters actuais. (Polymer Sounds, 2008)
Pode ler aqui artigo desenvolvido no Cotonete.

AS MELHORES OBRAS DE SEMPRE EM DVD

2009-02-20T21:24:00.003Z

Lista em contagem decrescente, inspirada num trabalho de selecção dos 50 melhores DVDs de música para votação que decorreu no Cotonete.
10º Neil Young - Neil Young: Heart of Gold
Filme-concerto de Jonathan Demme sobre uma actuação de Neil Young em Nashville, em 2005.
PS - Lista pessoal elaborada no dia 20 de Abril de 2008, que inclui DVDs não formatados para a Região Europeia e exclui obras de ficção (exemplos: ‘biopics' ou musicais).

BRASIL FATAL: CARMEN MIRANDA (1909-1955)

2009-02-18T22:11:00.002Z

A INFLUÊNCIA
Maria do Carmo Miranda da Cunha é portuguesa de nascença (natural de Marco de Canavezes) mas carioca de alma. O mundo conheceu-a e idolatrou-a como Carmen Miranda, e ficou na história como a maior embaixadora do samba.

Emigrou com os pais ainda em bebé para o Brasil, e cedo despontou para uma carreira artística de sucesso no difícil mundo do espectáculo. Estrela de rádio nos anos 30. Estrela de casino. Estrela dos musicais norte-americanos. Estrela de Hollywood. Estrela.

Tornou-se na mãe do tropicalismo, com o seu ritmo de sambista que os filmes de Hollywood ajudaram a popularizar a uma escala mundial. Tropicalizou os velhos musicais americanos com aquele gostozinho especial e tornou-se na maior bandeira do Brasil durante a II Guerra Mundial e nos anos seguintes.

Graças à magia da sua arte performativa, transformou numerosas músicas, como ‘Cantoras do Rádio’ ou ‘O Que É Que a Baiana Tem’, em clássicos. Imortalizou filmes como o brasileiro “Alô, Alô, Carnaval” (1936), protagonizado com a irmã Aurora, ou o hollywoodesco “The Gang's All Here”, e lançou um complexo de culpa criminoso às longas-metragens que se perderam que a tinham como protagonista.

O seu nível de celebridade é tal que Carmen Miranda chega a actuar num banquete para o Presidente dos Estados Unidos, Franklin Roosevelt, em 1940. Foi usada pelo Estado norte-americano como o símbolo da Política de Boa Vizinhança que os Estados Unidos implementaram durante a 2ª Grande Guerra que pretendia atrair a imigração de população latino-americana. E torna-se na artista mais bem paga do cinema.
A história não esquecerá o toque exótico que não se cansou de dar a Hollywood, com aquela imagem da fruteira na cabeça e aquele sorriso doce.

A MORTE
A vida de Carmen Miranda em Hollywood foi árdua. Desumanamente árdua. Comprometida por contratos que não conseguia recusar e mal casada com o seu empresário inábil e alcoólico, Carmen Miranda tenta manter o ritmo de trabalho e as poucas horas de sono à custa do consumo de pílulas e de tranquilizantes. A somar ao vício dos barbitúricos, Carmen Miranda torna-se alcoólica.

Carmen Miranda tem um aborto espontâneo em 1948, e o seu corpo vai cedendo, à medida que a dependência dos químicos aumenta. O seu regresso ao Brasil, catorze anos depois, em 1954, é aparatoso. Mas o seu ar magro choca os seus concidadãos. E faz uma cura de desintoxicação no seu país, que dura vários meses.

Após a aparente recuperação, regressa aos Estados Unidos em Abril de 1955, e ao ritmo intenso de espectáculos ao vivo, tanto em Cuba (à época, um país americanizado) como em Las Vegas. Mas regressam também os maus hábitos: o consumo de barbitúricos.

Nos primeiros dias de Agosto, actua no programa de TV do comediante Jimmy Durante, no qual sofre uma ligeira quebra duranta uma dança e é obrigada a apoiar-se no anfitrião que, muito profissionalmente, sabe disfarçar e manter o dinamismo. Na mesma noite, Carmen Miranda organiza uma pequena tertúlia com amigos na sua mansão de Beverly Hills. Bebeu, fumou cigarros e até cantou. Às duas da manhã, quando se encaminhava para o quarto, após ter retirado a maquilhagem na casa de banho, sofre um colapso cardíaco fatal. É encontrada morta pela sua empregada.

A consternação com o sucedido é grande, sobretudo no Brasil, para onde o corpo, embalsamado, é encaminhado no dia 12 de Agosto de 1955. O Rio de Janeiro assiste a um dos maiores cortejos fúnebres, é acompanhado por meio milhão de pessoas, num percurso que passa por alguns dos sítios do Rio de Janeiro importantes para a vida de Carmen Miranda, como a barbearia do pai, ou a rádio onde a dançarina trabalhou. Carmen Miranda tinha 46 anos.

Texto publicado no Cotonete. Pode ler aqui o especial Brasil Fatal.

BRASIL FATAL

2009-02-18T22:07:00.002Z

O Brasil é a maior potência musical do hemisfério sul do planeta. Mas por atrás dos ares optmistas que reconhecemos no país, ocorre um estranho fatalismo que leva cedo as vidas de alguns dos maiores ícones musicais brasileiros.

Carmen Miranda, Elis Regina, Cazuza, Renato Russo, Chico Science e Cássia Eller foram cedo demais. Drogas, fadiga, acidente de carro ou a sida não pouparam os corpos destes gigantes da música brasileira.

“Morre jovem o que os Deuses amam, é um preceito de sabedoria antiga”, sentenciou Fernando Pessoa sobre a morte prematura de Mário de Sá-Carneiro, citando o romano Plauto. Ou como diria Cazuza, "melhor 10 anos a mil à hora do que mil anos a 10 à hora".

Texto publicado no especial do Cotonete que pode ler aqui.

AS MELHORES OBRAS DE SEMPRE EM DVD

2009-02-16T22:26:00.002Z

Assim vai a contagem...

11º Bob Dylan – Don’t Look Back
12º Daniel Johnston - The Devil and Daniel Johnston
13º Elvis Presley - '68 Comeback Special
14º David Bowie - Ziggy Stardust and the Spiders from Mars
15º Dandy Warhols vs. The Brian Jonestown Massacre – Dig!
16º Vários - Respect Yourself: The Stax Records Story
17º The Doors - The Doors Collection
18º Bob Marley & The Wailers - Live at the Rainbow
19º Vários - Festival!
20º R.E.M. - Tour Film Live

21º Vários - Live Aid
22º Sex Pistols - The Filth and the Fury
23º The White Stripes - Under Blackpool Lights
24º Abba - Abba: The Movie
25º Johnny Cash - The Johnny Cash Show: The Best of Johnny Cash 1969-1971
26º Marvin Gaye - The Real Thing In Performance 1964-1981
27º Thelonious Monk - Straight No Chaser
28º Neil Young and Crazy Horse - Rust Never Sleeps
29º Led Zeppelin – DVD
30º John Coltrane - Live in '60, '61 & '65

31º Björk - Greatest Hits - Volumen 1993-2003
32º Otis Redding - Dreams to Remember
33º Pixies - Pixies
34º Elvis Presley - The Ed Sullivan Shows
35º Beastie Boys – Video Anthology
36º AC/DC - Family Jewels
37º Paul Simon - Graceland - The African Concert
38º Rolling Stones - One Plus One
39º Depeche Mode - Videos 1986-1998
40º Ike & Tina Turner - Live in '71

41º Vários - Ed Sullivan's Rock 'N' Roll Classics - The British Invasion
42º Vários – Buena Vista Social Club
43º Vários - Message to Love: The Isle of Wight Festival
44º Ramones - End Of The Century
45º Pink Floyd - Live at Pompeii
46º Mahalia Jackson - Mahalia Jackson
47º Vinícius de Moraes - Vinícius
48º The Supremes - Reflections: The Definitive Performances 1964-1969
49º Charles Mingus - Live in '64
50º Marc Bolan And T Rex - Born To Boogie

51º Jeff Buckley - Live in Chicago
52º U2 - Zoo TV, Live From Sydney
53º Vários - American Folk-Blues Festival: The British Tours 1963-1966
54º Iggy Pop - Iggy in Paris
55º Nina Simone - Live At Montreux 1976
56º Roy Orbison - Black And White Night
57º Madonna - The Girlie Show - Live Down Under
58º Vários - Glastonbury
59º Nirvana - Unplugged In New York
60º The Flaming Lips - The Fearless Freaks

61º The Police - Everyone Stares: The Police Inside Out
62º Vários - Festival Express
63º Portishead - PNYC - Live At The Roseland Theatre
64º Sigur Ros - Heima
65º Peter Gabriel - Secret World - Live
66º Serge Gainsbourg - D'Autres Nouvelles des Étoiles
67º Prince - Sign 'O' The Times
68º Marisa Monte - Memórias, Crônicas e Declarações de Amor
69º Devo - Live 1980
70º The Smashing Pumpkins - Vieuphoria

71º The Velvet Underground - Velvet Redux: Live MCMXCIII
72º Simon & Garfunkel - The Concert in Central Park
73º Dead Boys - Live! At CBGB OMFUG:1977
74º The Who - Amazing Journey: The Story of the Who
75º The Cramps - Live at Napa State Mental Hospital
76º Siouxsie And The Banshees - Nocturne
77º The Doors - Soundstage Performances
78º Queen - Live At Wembley Stadium
79º Vários - The Concert for Bangladesh
80º Gorillaz – Demon Days Live at Manchester

81º Ella Fitzgerald - Live in '57 and '63 (Jazz Icons)
82º Bob Dylan – The Other Side of the Mirror
83º Duran Duran - Greatest - The DVD
84º James Brown - Live at Chastain Park
85º The Wire – Scottish Play: 2004
86º Dead Kennedys - The Early Years Live
87º Nick Cave & The Bad Seeds – The Videos
88º Curtis Mayfield - Live at Ronnie Scott's
89º The Clash - Westway to the World
90º Duke Ellington - Jazz Icons: Duke Ellington Live in '58

91º Wu-Tang Clan - The Legend of the Wu-Tang - The Videos
92º Stevie Wonder - Live In Japan, 1982
93º Van Morrison - Live at Montreux 1980 and 1974
94º Dizzie Gillespie - Jazz Icons: Live in '58 & '70
95º Fela Kuti - Music Is the Weapon
96º Neil Young & Crazy Horse - Year of the Horse
97º Dead Can Dance - Toward The Within
98º Miles Davis – Miles Electric: a Different Kind of Blue
99º PJ Harvey - On Tour - Please Leave Quietly
100º Minor Threat - DC Space / Buff Hall / 9:30 Club

EXCITAÇÃO DA SEMANA: SEASICK STEVE, «I STARTED OUT WITH NOTHIN AND I STILL GOT MOST OF IT LEFT»

2009-02-15T16:05:00.004Z

I Started Out With Nothin and I Still Got Most of it Left é o terceiro longa-duração de Seasick Steve, um ex-"hobo" (o vagabundo íntegro e produtivo). Uma colheita deliciosa de invenções blues.

Com o fiel Dan Magnusson sempre a bater nos vários tambores e pratos da bateria, Seasick Steven conduz 11 temas de blues de tractor, com cheiro a trigo. O humor é fino. Jeito para contar histórias não lhe falta. E até nas introduções tem graça. A linguagem é terra-a-terra e lúdica, os assuntos são triviais (falando de coisas como insectos) mas não a forma de os tratar.

I Started Out With Nothin é um album de blues de som sujo, de toque campónio mesmo que com flutuações de ser possuído por um demónio mais colérico. É uma obra digna de um "hobo" sapiens sapiens. (Warner Bros, 2008)

Pode ler aqui artigo desenvolvido no Cotonete.

AS MELHORES OBRAS DE SEMPRE EM DVD

2009-02-14T21:04:00.002Z

Lista em contagem decrescente, inspirada num trabalho de selecção dos 50 melhores DVDs de música para votação que decorreu no Cotonete.
12º Daniel Johnston - The Devil and Daniel Johnston
Documentário de Jeff Feuerzeig que recolhe imagens filmadas pelo próprio Daniel Johnston.

11º Bob Dylan – Don’t Look Back
Documentário de DA Pennebaker sobre a digressão britânica de Bob Dylan em 1965.

PS - Lista pessoal elaborada no dia 20 de Abril de 2008, que inclui DVDs não formatados para a Região Europeia e exclui obras de ficção (exemplos: ‘biopics' ou musicais).

AS MELHORES OBRAS DE SEMPRE EM DVD

2009-02-12T22:05:00.003Z

Lista em contagem decrescente, inspirada num trabalho de selecção dos 50 melhores DVDs de música para votação que decorreu no Cotonete.
14º David Bowie - Ziggy Stardust and the Spiders from Mars
Filme-concerto de DA Pennebaker sobre David Bowie na sua fase de Ziggy Stardust.

13º Elvis Presley - '68 Comeback Special
O renascimento do rei do rock eternizado numa actuação televisiva.

PS - Lista pessoal elaborada no dia 20 de Abril de 2008, que inclui DVDs não formatados para a Região Europeia e exclui obras de ficção (exemplos: ‘biopics' ou musicais).

AS MELHORES OBRAS DE SEMPRE EM DVD

2009-02-10T21:50:00.005Z

Lista em contagem decrescente, inspirada num trabalho de selecção dos 50 melhores DVDs de música para votação que decorreu no Cotonete.
16º Vários - Respect Yourself: The Stax Records Story
Historial da editora Stax, numa recolha de imagens que inclui concertos dos artistas do catálogo.

15º Dandy Warhols vs. The Brian Jonestown Massacre – Dig!
Documentário de Ondi Timoner sobre a relação entre os Dandy Warhols e os Brian Jonestown Massacre.

PS - Lista pessoal elaborada no dia 20 de Abril de 2008, que inclui DVDs não formatados para a Região Europeia e exclui obras de ficção (exemplos: ‘biopics' ou musicais).

OUTRAS EXCITAÇÕES

2009-02-08T17:00:00.002Z

Seguem-se outras excitações recentes, organizadas por ordem decrescente de preferência.
John Frusciante, The Empyrean (Record Collection, 2009)
Em The Empyrean, John Frusciante volta a ser poupado em recursos humanos. E, para isso, não se poupa a si mesmo. Toca em tudo o que é instrumento (guitarra eléctrica, guitarra acústica, sintetizadores, caixa de ritmos, baixo, piano). E encontra no amigo Josh Klinghoffer (também do gangue de Vincent Gallo) um moço para todos os recados que tenta substituir a omnipresença de Frusciante para se desdobrar igualmente em todo o tipo de objectos: da bateria ao piano.
John Frusciante supera-se sempre a si mesmo ao longo do disco, como a amostra mais próxima de Jimi Hendrix que existe de um guitarrista sub-40 vivo. Tal como Hendrix, Frusciante mostra-se como um bom compositor e um ainda melhor performer, um homem de grandes vibrações que embala a música muito pará lá da sua maqueta-base.
John Frusciante não cabe nos quatro minutos da canção com os quais os Red Hot estão irremediavelmente comprometidos. O seu espírito é demasiado místico para isso e, ao longo do disco, pede-se para que cada música não termine - e Frusciante parece que nos está a fazer a vontade, numa generosidade emotiva e galopante em que Neil Young e os Crazy Horse são também muito bons. Deixem a música viver mais umas dezenas de segundos - e eles deixam.
Sem ter que ser por acessos de génio, John Frusciante relembra-nos que é um músico de corpo inteiro que usa o espaço físico possível de um disco compacto para exorcizar todos os seus demónios num exercício extremado que podemos baptizar como free rock. The Empyrean é a música em estado silvestre, tal e qual o é John Frusciante.
Pode ler aqui artigo desenvolvido no site Cotonete.
Neil Young, Sugar Mountain - Live at Canterbury House 1968 (Reprise, 2009)
Ouvimos este álbum ao vivo, gravado em 1968, e sorrimos. Sorrimos porque somos condenados a reconhecer que este se trata de um registo muito interessante, feito há muito tempo, e mesmo assim não dá para sentirmos um pingo de nostalgia que seja. Sorrimos porque temos 40 anos de vantagem sobre esta gravação e sabemos de antemão que Neil Young iria ser muito melhor.
O Neil Young que aparece ao microfone do Canterbury House, na pequena cidade norte-americana de Ann Arbor (estado do Michigan) está à beira de fazer 23 anos, com uma voz de garoto e um diamante na alma ainda por polir. Naquela exacta altura, Novembro de 1968, Neil Young estava nas vésperas de lançar o seu primeiro álbum a solo, de título homónimo, e a separação dos Buffalo Springfield (onde partilhava a liderança com Stephen Stills) estava fresca.
Sugar Mountain é Neil Young em estado rudimentar, despido de artíficos, a preparar-se para se maturar como um dos históricos do rock. Está cru mas recomenda-se.
Pode ler aqui artigo desenvolvido no site Cotonete.

EXCITAÇÃO DA SEMANA: ANDREW BIRD, «NOBLE BEAST»

2009-02-07T15:51:00.003Z

Desta vez, Andrew Bird refugiou-se na sua casa de campo do noroeste do estado de Illinois, bem longe da barulhenta Chicago onde sempre viveu. Conseguiu ouvir a natureza a cantar. E conseguiu ouvir-se a si mesmo. Desligou a amplificação das guitarras eléctricas de Armchair Apocrypha (de 2007) e virou músico folk. O violino que Bird tão bem toca, passa a assumir o protagonimo central com maior nitidez. A descontração instala-se no estúdio, e Andrew Bird brinca aos assobios, qual grilo cantante. E a pop bucólica, com uns empurrões subtis de música contemporânea, transforma-se num mágico tapete voador que transporta Noble Beast para 14 fascinantes viagens, uma por faixa, sem excepção, para encanto do ouvinte.

Com alguma maldade, poderíamos enganar algum amigo menos avisado e dizer-lhe que a faixa nº 11, "Natural Disaster", é de Beck, na sua faceta mais rural (ao estilo do seu álbum Sea Change, de 2002). Naquele caso, a mentira teria tudo para correr bem. Mas seria uma maldade. Das grandes. Sobretudo para Andrew Bird. Noble Beast é uma das maiores lufadas de ar fresco dos últimos tempos. (Fat Possum, 2009)

Pode ler aqui artigo desenvolvido no site Cotonete.

LUX INTERIOR (1946-2009)

2009-02-05T21:53:00.003Z

Como vocalista dos históricos Cramps, foi porta-voz do pesadelo americano... Um submundo aterrorizante que Elvis nunca sonharia inspirar.
Como outros, vibrei com o bichinho desse demónio.
Na memória, tenho ainda o concerto, tão estranho quanto fascinante, dos Cramps na Praça de Touros do Campo Pequeno, em Lisboa, em 1998 – o primeiro concerto de sempre em Portugal. Tudo foi bizarro: o anúncio público dado pelo organizador de convidar os SuperDragões a virem ao recinto (após uma derrota do FC Porto na Luz por 3-0); ou a mistura na multidão que nunca vira entre gays com fatos de marinheiro e skinheads. Mas nada bateu aquela hora e meia de rock & roll infernal teatralizado pelos Cramps e que termina com Lux a perfurar o palco, nu, e a sair no improvisado buraco.
Mesmo admitindo que os anos mais criativos dos Cramps possam ter sido os primeiros da década de 80 (de onde saiu o maravilhoso álbum Psychedelic Jungle, de 1981), o meu tema preferido é a faixa de abertura do álbum Big Beat from Badsville (de 1997), que abriu o concerto no Campo Pequeno: "Cramp Stomp".

AS MELHORES OBRAS DE SEMPRE EM DVD

2009-02-02T23:26:00.005Z

Lista em contagem decrescente, inspirada num trabalho de selecção dos 50 melhores DVDs de música para votação que decorreu no Cotonete.
18º Bob Marley & The Wailers - Live at the Rainbow
Registo filmado de uma actuação londrina em 1977.
17º The Doors - The Doors Collection
DVD de quase de três horas que compila todo o tipo de imagens do grupo, incluindo concertos e entrevistas.
PS - Lista pessoal elaborada no dia 20 de Abril de 2008, que inclui DVDs não formatados para a Região Europeia e exclui obras de ficção (exemplos: ‘biopics' ou musicais).